About this Program 

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Quatuor à cordes op.18, n4
i. Allegro, ma non tanto
ii. Andante scherzoso, quasi Allegretto
iii. Menuetto. Allegretto
iv. Allegro

Ludwig van Beethoven was a revolutionary force whose music reshaped the trajectory of Western classical music, bridging the Classical and Romantic eras. A prodigy coerced into music by his father, a middling court musician, Beethoven gave his first public performance at age seven, though his childhood was marked by relentless pressure and a volatile home life. By his teens, he was studying with Christian Gottlob Neefe, who introduced him to Bach’s works, and he soon began composing, his early pieces echoing Haydn and Mozart. Relocating to Vienna in 1792, he studied briefly with Haydn and established himself as a virtuoso pianist with a fiery, improvisational flair. His “Quatuor à cordes op.18, n4,” composed between 1799 and 1800 as part of his first set of six string quartets, captures Beethoven at 29, still rooted in Classical traditions but already flexing his innovative muscle. This quartet, in C minor—a key Beethoven often reserved for dramatic, stormy works—pulses with youthful energy, its themes weaving through witty dialogues and bold contrasts. Unlike his later, boundary-shattering quartets, op.18, n4 balances accessibility with hints of the emotional depth that would define his legacy. Beethoven composed parts of op.18 while battling early signs of deafness, a secret he guarded fiercely, confiding only in close friends. The quartet’s lively Menuetto, with its syncopated rhythms, may reflect his defiance in the face of this looming personal tragedy. Its creation also coincided with Beethoven’s rivalry with Haydn, whose own quartets set a high bar; Beethoven’s op.18 was both a homage and a bold step toward redefining the genre.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Quatuor à cordes n2 (unfinished)
i. Allegro moderato
ii. Andante molto sostenudo

Sergei Rachmaninov was a towering figure of late Romanticism, his music drenched in lush harmonies and soul-stirring emotion. A child prodigy, he began piano at age four and, by nine, entered the Moscow Conservatory, where strict mentors like Nikolai Zverev shaped his discipline. His early compositions, including the iconic Prelude in C-sharp minor, brought fame but also pressure, as audiences demanded encores of the piece he grew to resent. His “Quatuor à cordes n2,” penned in 1896 at age 23, is an obscure gem, left unfinished with only two movements. Composed during a period of intense creativity before his First Symphony’s disastrous premiere plunged him into depression, this quartet reveals a young Rachmaninov experimenting with chamber music’s intimacy, a stark contrast to his later orchestral and piano-centric output. Its lyrical melodies, tinged with melancholy, and rich, almost vocal textures foreshadow the emotional depth of his Piano Concertos. Rachmaninov wrote this quartet while grappling with his dual identity as a composer and virtuoso pianist, often performing gruelling concert tours to fund his creative work. The piece’s Andante molto sostenuto movement, with its aching, hymn-like quality, may reflect his homesickness during travels. Rarely performed due to its incomplete state, the quartet was overshadowed by his larger works but offers a window into his early style, blending Orthodox chant influences with Western Romanticism. Rachmaninov’s perfectionism—he later destroyed many early manuscripts—makes this surviving fragment a precious relic.

Giacomo Puccini (1858-1924)

“Crisantemi” pour quatuor à cordes

Giacomo Puccini, born into a lineage of church musicians, became opera’s undisputed master, crafting timeless dramas like “La Bohème” and ‘Tosca.” As a teenager, he played organ in local churches, but his destiny shifted after trekking 20 miles to hear Verdi’s “Aida,” igniting a lifelong passion for the stage. At the Milan Conservatory, he studied under Amilcare Ponchielli, who recognized his theatrical genius. Puccini’s “Crisantemi” for string quartet, composed in 1890, is a rare non-operatic work, written in a single night as an elegy for Amadeo di Savoia, Duke of Aosta, a friend of the Italian royal family. Named for chrysanthemums, Italy’s flower of mourning, this six-minute piece is a masterclass in concentrated emotion, its searing melody and delicate harmonies evoking profound grief. Puccini, ever the recycler, later wove its main theme into his opera Manon Lescaut, a testament to his knack for repurposing musical ideas. Puccini composed “Crisantemi” during a tumultuous period marked by financial struggles and a scandalous affair with a married woman, Elvira Gemignani, which fueled gossip in his hometown of Lucca. The piece’s raw sorrow may reflect not only the Duke’s death but Puccini’s own emotional turmoil. Unlike his operas’ grand narratives, “Crisantemi” thrives on restraint, its single-movement form distilling Puccini’s gift for melody into a chamber music miniature. Its history is also tied to Puccini’s love of hunting; he often retreated to rural Torre del Lago to compose, and the elegy’s pastoral undertones may echo those landscapes.

Claude Debussy (1862-1918)

Quatuor à cordes op.10
i. Animé et très décidé
ii. Assez vif et bien rythmé
iii. Andantino, doucement expressif
iv. Très modéré - Très mouvementé

Claude Debussy was a musical visionary whose impressionistic style redefined modern music. A precocious talent, he entered the Paris Conservatory at age ten, clashing with its rigid faculty over his unorthodox harmonies. His travels, including summers in Russia and exposure to Javanese gamelan at the 1889 Paris Exposition, shaped his exotic, boundary-pushing aesthetic. By his twenties, he was mingling with poets like Mallarmé and composers like Satie, forging a distinctly French sound. His “Quatuor à cordes op.10,” composed in 1893 at age 31, is his sole string quartet and a cornerstone of the repertoire. Dedicated to composer Ernest Chausson, it marries traditional four-movement structure with radical innovations, using cyclical themes that recur across movements and harmonies that shimmer like light on water. Its luminous textures and fluid rhythms evoke a dreamlike world, distinct from the Germanic rigour of Beethoven or Brahms. Debussy wrote the quartet amid a tempestuous love affair with singer Gabrielle Dupont, whose bohemian lifestyle fueled his creative rebellion. The piece’s premiere, by the Ysaÿe Quartet, sparked debate; critics called it “overly cerebral,” yet it soon became a touchstone for 20th-century chamber music. Debussy’s fascination with visual art—particularly Monet’s paintings—influenced the quartet’s painterly quality, with motifs blending like brushstrokes. He famously described music as “colours and rhythms,” and this quartet, with its bold modulations and delicate interplay, embodies that philosophy, cementing Debussy’s role as a pioneer who stretched the string quartet into new, iridescent territory.

About the Artists

Quatuor Elysée

Founded in 1995, the Quatuor Elysée emerged from the fusion of former members of two distinguished ensembles, the Anton Quartet and the Ysaÿe Quartet, both of which claimed the Grand Prix at the Evian International Competition. This pedigree underscores the quartet’s technical excellence and interpretive depth. What sets the Quatuor Elysée apart is its unique synthesis of two musical traditions: the French school, known for its elegance and clarity, and the Russian school, characterized by its emotional intensity and robust expressiveness. This blend fosters a dynamic interplay of ideas, enabling the quartet to explore new interpretive dimensions and deliver performances marked by originality and emotional power.

The Quatuor Elysée has built an international reputation, performing across Europe in countries such as England, Germany, Austria, Belgium, Bulgaria, Slovenia, Italy, Spain, and Portugal, as well as in Israel, Japan, China, Canada, Nicaragua, and Russia. Their global presence has seen them grace prestigious venues, including the Théâtre du Châtelet and Salle Cortot in Paris, Kioi Hall in Tokyo, and Tchaikovsky Hall in Moscow, showcasing their ability to captivate diverse audiences in iconic settings.

In France, the quartet is a staple at renowned festivals, including the Festival de l’Orangerie de Sceaux, Festival du Périgord Noir, Festival de Quatuors à Cordes de Fayence, Festival de Quatuors à Cordes du Lubéron, Festival d’Ile de France, Festival de l’Abbaye de l’Epau, Saison Musicale de Proquartet à Fontainebleau, and Festival de Cunault. These engagements highlight their prominence within the French chamber music scene and their versatility in varied festival contexts.

Collaboration is central to the quartet’s ethos, and they have partnered with an impressive array of musicians, including Pascal Amoyel, Franck Braley, Marie-Josèphe Jude, Jean-Marc Luisada, Emmanuelle Bertrand, Marc Coppey, Henri Demarquette, Alain Meunier, François Salque, Gérard Caussé, Michel Lethiec, Paul Meyer, and Philippe Bernold. These partnerships reflect their adaptability and sensitivity in chamber music, allowing them to navigate a wide range of styles and repertoires.

Their discography, recorded for labels such as Naxos, Timpani, Triton, Continuo Classics, and Zig-Zag Territoires, has earned widespread critical acclaim. While specific works or composers are not detailed, these recordings likely showcase their ability to balance the structural precision of the French tradition with the emotive depth of the Russian approach, cementing their reputation for innovative interpretations.

The Quatuor Elysée’s commitment to bridging cultural and musical traditions, combined with their extensive performance history and collaborative spirit, positions them as a leading force in the string quartet world.

Pablo Schatzman, violin

Pablo Schatzman is a distinguished violinist and chamber musician whose career spans performance, education, and artistic direction. Born in France, he honed his craft under the tutelage of two eminent violinists: Tibor Varga in Switzerland, known for his rigorous technical approach, and Pinchas Zukerman in New York, celebrated for his expressive and lyrical style. This dual mentorship likely shaped Schatzman’s versatile and nuanced playing.

As a chamber musician, Schatzman has made significant contributions through his involvement with ensembles like Trio Leos, Musica Nigella, and Les Dissonances. These groups are known for their innovative programming and commitment to both classical and contemporary repertoire. His achievements in chamber music are underscored by prestigious awards, including recognition at the Bordeaux Quartet Competition and the Académie Ravel, which highlight his skill in collaborative performance.

Schatzman’s role as artistic director further amplifies his influence in the music world. He curates the Écouter-Voir season in Tourcoing, a series likely focused on interdisciplinary or visually engaging musical presentations, and the Éole en Musiques festival in Paimboeuf, which may emphasize community or site-specific performances. These initiatives reflect his vision for making classical music accessible and dynamic.

His discography, featuring works by Beethoven, Ravel, Chausson, and Bartók, has garnered critical acclaim from outlets like Télérama, Classica, and Le Monde, with accolades such as the Diapason d’Or. These recordings showcase his ability to navigate diverse musical styles, from Beethoven’s structural depth to Bartók’s rhythmic complexity.

In addition to performing, Schatzman is deeply committed to education. As a professor at the Conservatoire de Saint-Cloud, he shapes the next generation of musicians. His masterclasses and lectures at the Pôle Supérieur de Lille further demonstrate his dedication to pedagogy, likely covering topics like technique, interpretation, and chamber music collaboration.

Vadim Tchijik, violin

Hailed as ‘Déjà Maître’ by Diapason magazine, this violinist has established himself as a formidable talent on the global stage, earning accolades from some of the world’s most prestigious competitions. His victories include the Niccolò Paganini Competition in Genoa, renowned for its technical and interpretive demands, the P.I. Tchaikovsky Competition in Moscow, a pinnacle of international music contests, and the Rodolfo Lipizer Competition in Gorizia, which celebrates virtuosity and musicality. Additionally, he was named a Juventus Laureate by the Council of Europe, recognizing his exceptional promise among young European musicians.

His international career as a soloist is marked by collaborations with prominent orchestras, including those in Moscow, the Netherlands, Mexico, Ankara, Freiburg, and Genoa. He has performed recitals in over thirty countries across Europe, Asia, Latin America, and the United States, showcasing his versatility and global appeal. His performances grace iconic venues such as the Théâtre des Champs-Élysées and Salle Gaveau in Paris, Konzerthaus in Berlin, Gewandhaus in Leipzig, Residenz in Munich, Concertgebouw in Amsterdam, Suntory Hall in Tokyo, Tchaikovsky Hall in Moscow, and Dvořák Hall in Prague, cementing his presence in the world’s musical epicentres.

A sought-after festival performer, he is a regular at major events like Radio France in Montpellier, Pablo Casals, Auvers-sur-Oise, Colmar, Nancyphonies, Saint-Riquier, Fêtes Romantiques de Nohant, Ravello, Portogruaro, and Alba. These appearances highlight his ability to engage audiences in diverse settings, from intimate recitals to large-scale festival stages. His recordings, which have garnered critical praise and awards, reflect his interpretive depth and technical prowess, though specific works or composers are not detailed here.

As a chamber musician, he collaborates with an impressive roster of artists, including Marielle Nordmann, Emmanuel Pahud, Jean-Claude Pennetier, Anne Quéffélec, Georges Pludermacher, Philippe Bernold, Michel Lethiec, Pieter Wispelwey, David Geringas, Marc Coppey, François Salque, Thierry Caëns, and Cédric Tiberghien. These partnerships underscore his sensitivity and adaptability in ensemble settings, a hallmark of his musicianship.

Beyond performing, he is a visionary artistic director, shaping the musical landscape through leadership of the Festival International de Musique d’Hyères, Les Musicales de Saint-Martin, and Les Heures Musicales de Binic. As the founder and director of the ensemble Les Virtuoses, he fosters collaborative music-making, likely emphasizing innovative programming or virtuosic repertoire. His commitment to education is evident in the masterclasses he conducts across Europe, Latin America, and Asia, where he shares his expertise with emerging musicians.

Vincent Dormieu, viola

(Note: Vincent Dormieu replaces violist Andrei Malakhov for this performance)

Vincent Dormieu, a versatile French violist, has been a prominent figure in Parisian orchestral life since 1999, performing with esteemed ensembles such as the Orchestre Philharmonique de Radio-France, Orchestre National de France, Orchestre de Paris, Orchestre de Chambre de Paris, and the Opéra National de Paris. His role as a regular guest solo viola with orchestras including the Orchestre de Bretagne, Orchestre d’Auvergne, Orchestre de Saint-Étienne, and Orchestre Colonne highlights his technical mastery and expressive depth. Additionally, as co-soloist with the Orchestre Région-Centre Tours, he holds a leadership position, contributing to the ensemble’s artistic direction.

Dormieu’s international presence is notable, having toured extensively with the Orchestre de Chambre de Paris to Brazil, Argentina, Uruguay, Japan, Romania, and Serbia in 2012, and with the Orchestre National de France across Spain, Italy, Germany, Hungary, Austria, and England between 2011 and 2012. These tours underscore his ability to engage global audiences with his nuanced performances.

Since 2001, Dormieu has been a member of the Solistes Français, performing with them in Paris and throughout France in both chamber orchestra and quartet settings. His formal affiliation with the group began in 2012, reflecting his long-standing commitment to chamber music, where his collaborative skills shine in intimate and dynamic settings.

Dormieu is also dedicated to education, teaching viola in Épinay-sur-Seine and contributing to the DÉMOS program, an initiative by the Cité de la Musique in Paris that combines orchestral training with social outreach. His pedagogical work reflects a commitment to nurturing young musicians and fostering access to music education.

His training began in France under Jean-Louis Bonafous in Créteil, followed by studies with Michel Michalakakos in Boulogne, and Jean-Baptiste Brunier and Sabine Toutain in Paris, where he developed a strong technical and interpretive foundation. Dormieu further refined his chamber music skills at ProQuartet in Paris and the Britten-Pears School in Aldeburgh, United Kingdom, studying with legendary ensembles such as the Borodin, Smetana, and Amadeus Quartets. This exposure to diverse musical traditions enriched his approach to both orchestral and chamber music.

Dormieu’s multifaceted career as an orchestral leader, chamber musician, and educator positions him as a vital contributor to the French classical music scene. His international experience and dedication to teaching highlight his broad impact.

Igor Kiritchenko, cello

Igor Kiritchenko, a Ukrainian-born cellist, has forged a distinguished career shaped by his studies in Odessa, Moscow, and Paris. His training under luminaries such as Vladimir Berlinsky of the Borodin Quartet, renowned for its authoritative interpretations of Russian repertoire, and Hatto Beyerle of the Alban Berg Quartet, celebrated for its nuanced and modernist approach, endowed him with a rich, versatile musical foundation.

Kiritchenko’s early success came with a victory at the International Cello Competition in Belgrade, marking him as a soloist of exceptional promise. As a member of the Anton Quartet from 1989 to 1995, he achieved remarkable accolades, including the Grand Prix at the Evian International Competition, the International Press Jury Prize, the SACEM Special Prize, First Prize at the International Shostakovich Competition in St. Petersburg, and a Special Prize for the best interpretation of Russian music. These awards underscore his technical prowess and deep affinity for Russian musical traditions.

His performances have graced some of the world’s most prestigious venues, including the Théâtre des Champs-Élysées, Théâtre de la Ville, and Salle Gaveau in Paris; Herkulessaal in Munich; Sala Verdi in Milan; Barbican Centre in London; Santa Cecilia Academy in Rome; and Metropolitan Art Hall in Tokyo. Esteemed figures such as Mstislav Rostropovich, who invited him to the Prokofiev Festival, and Sviatoslav Richter, who included him in the Soirées de Décembre Festival, recognized his artistry, further cementing his international stature.

In chamber music, Kiritchenko has collaborated with luminaries such as Yuri Bashmet, Gérard Caussé, Pierre-Laurent Aimard, Evgeny Naoumov, and ensembles like the Borodin, Manfred, Ravel, and Debussy Quartets. These partnerships reflect his adaptability and sensitivity across diverse musical styles. As a founding member of multiple ensembles—including the Anton Quartet, Quatuor Elysée, Trio Alta, Trio Equinox, Juon Project, Trio Bohème, Trio In Breve, and Trio Arioso—he has demonstrated a lifelong commitment to collaborative music-making, exploring a broad spectrum of repertoire.

Kiritchenko’s extensive discography includes over twenty recordings, complemented by numerous radio and television appearances, showcasing his interpretive depth and versatility. While specific works or labels are not detailed, his contributions likely span classical and contemporary cello and chamber music repertoire, reflecting his training and ensemble affiliations.

Kiritchenko’s career, marked by solo achievements, chamber music excellence, and ensemble leadership, positions him as a pivotal figure in the classical music world. His ability to bridge Russian and Western musical traditions, combined with his global presence, underscores his enduring impact.

Quatuor Élysée

À propos de ce concert

ARTISTES : Pablo Schatzman, violon ; Vadim Tchijik, violon ; Vincent Dormieu, alto ; Igor Kiritchenko, violoncelle

COMPOSITEURS : Beethoven, Debussy, Puccini, et Rachmaninov

Tous ceux qui se souviennent de l'époustouflante prestation du Quatuor Élysée, basé à Paris, il y a trois ans, auront hâte de se procurer des billets pour son retour à Halifax. Cet ensemble maintes fois primé, connu pour son mélange d'influences musicales ukrainiennes, russes et françaises, a enregistré plus d'une douzaine d'albums et s'est produit sur les plus grandes scènes du monde, y compris dans les festivals de musique de chambre les plus prestigieux. Le quatuor - composé du violoniste français Pablo Schatzman, du violoniste russe Vadim Tchijik, de l'altiste français Vincent Dormieu et du violoncelliste ukrainien Igor Kiritchenko - peut se targuer d'avoir collaboré avec certains des plus grands noms de la musique classique. Le quatuor revient avec un programme captivant qui comprend le « Quatuor à cordes op.18 » de Beethoven, une œuvre fougueuse de ses débuts qui allie clarté classique et intensité émotionnelle, mettant en valeur son génie naissant. Le « Quatuor à cordes n2 » de Rachmaninov, bien qu'inachevé, mêle mélancolie lyrique et âme, et offre un rare aperçu de sa voix en musique de chambre. Le « Crisantemi » pour quatuor à cordes de Puccini, écrit comme une élégie, évoque une profonde tristesse et une beauté délicate, inspirées par la mort d'un ami. Le « Quatuor à cordes op.10 » de Debussy, pierre angulaire du répertoire, brille de couleurs impressionnistes et de textures novatrices, repoussant les limites de la forme du quatuor à cordes. L'approche audacieuse et novatrice du Quatuor Élysée en matière d'interprétation de quatuors à cordes rend le retour de cet ensemble à Halifax incontournable ! Une coprésentation avec l'Alliance Française Halifax et l'Alliance Française Toronto. Commanditaire de la saison : Jules Chamberlain / Red Door Realty. 

Cette représentation est rendue possible grâce au soutien généreux de John Berton et Kelley McKinnon.

À propos du programme

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Quatuor à cordes op.18, n4
i. Allegro, ma non tanto
ii. Andante scherzoso, quasi Allegretto
iii. Menuetto. Allegretto
iv. Allegro

Ludwig van Beethoven était une force révolutionnaire dont la musique a remodelé la trajectoire de la musique classique occidentale, jetant un pont entre l'ère classique et l'ère romantique. Prodige contraint à la musique par son père, un musicien de cour moyen, Beethoven donne sa première représentation publique à l'âge de sept ans, bien que son enfance soit marquée par une pression incessante et une vie familiale instable. À l'adolescence, il étudie avec Christian Gottlob Neefe, qui lui fait découvrir les œuvres de Bach, et il commence bientôt à composer, ses premières pièces faisant écho à Haydn et à Mozart. Installé à Vienne en 1792, il étudie brièvement avec Haydn et s'impose comme un pianiste virtuose doté d'un flair fougueux pour l'improvisation. Son « Quatuor à cordes op.18, n4 », composé entre 1799 et 1800 dans le cadre de sa première série de six quatuors à cordes, montre Beethoven à 29 ans, encore enraciné dans les traditions classiques mais faisant déjà preuve d'un grand sens de l'innovation. Ce quatuor, en do mineur - une tonalité que Beethoven réservait souvent aux œuvres dramatiques et orageuses - déborde d'une énergie juvénile, ses thèmes se tissant à travers des dialogues pleins d'esprit et des contrastes audacieux. Contrairement à ses quatuors ultérieurs, qui bouleversent les frontières, l'op.18, n4 équilibre l'accessibilité avec des indices de la profondeur émotionnelle qui définira son héritage. Beethoven a composé des parties de l'op.18 alors qu'il luttait contre les premiers signes de surdité, un secret qu'il gardait farouchement, ne le confiant qu'à ses amis proches. Le vif Menuetto du quatuor, avec ses rythmes syncopés, peut refléter son défi face à cette tragédie personnelle imminente. Sa création a également coïncidé avec la rivalité de Beethoven avec Haydn, dont les propres quatuors plaçaient la barre très haut ; l'op.18 de Beethoven était à la fois un hommage et une étape audacieuse vers la redéfinition du genre.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Quatuor à cordes n2 (inachevé)
i. Allegro moderato
ii. Andante molto sostenudo

Sergei Rachmaninov est une figure emblématique du romantisme tardif, dont la musique est imprégnée d'harmonies luxuriantes et d'émotions qui font vibrer l'âme. Enfant prodige, il commence le piano à l'âge de quatre ans et, à neuf ans, entre au Conservatoire de Moscou, où des mentors stricts comme Nikolaï Zverev façonnent sa discipline. Ses premières compositions, dont l'emblématique Prélude en do dièse mineur, lui apportent la célébrité mais aussi la pression, le public exigeant des rappels du morceau qu'il finit par détester. Son « Quatuor à cordes n2 », écrit en 1896 à l'âge de 23 ans, est un joyau obscur, laissé inachevé avec seulement deux mouvements. Composé pendant une période d'intense créativité, avant que la création désastreuse de sa Première Symphonie ne le plonge dans la dépression, ce quatuor révèle un jeune Rachmaninov expérimentant l'intimité de la musique de chambre, ce qui contraste fortement avec sa production ultérieure, centrée sur l'orchestre et le piano. Ses mélodies lyriques, teintées de mélancolie, et ses textures riches, presque vocales, préfigurent la profondeur émotionnelle de ses Concertos pour piano. Rachmaninov a écrit ce quatuor alors qu'il était aux prises avec sa double identité de compositeur et de pianiste virtuose, effectuant souvent d'épuisantes tournées de concerts pour financer son travail créatif. Le mouvement Andante molto sostenuto de la pièce, avec son caractère douloureux, semblable à un hymne, peut refléter le mal du pays qu'il ressentait pendant ses voyages. Rarement joué en raison de son caractère incomplet, le quatuor a été éclipsé par ses œuvres plus importantes, mais il offre une fenêtre sur son style précoce, mêlant les influences du chant orthodoxe au romantisme occidental. Le perfectionnisme de Rachmaninov - qui détruisit par la suite de nombreux manuscrits - fait de ce fragment une précieuse relique.

Giacomo Puccini (1858-1924)

« Crisantemi » pour quatuor à cordes

Giacomo Puccini, né dans une lignée de musiciens d'église, est devenu le maître incontesté de l'opéra, créant des drames intemporels comme « La Bohème » et « Tosca ». Adolescent, il jouait de l'orgue dans les églises locales, mais son destin a basculé après avoir parcouru 20 miles pour écouter « Aida » de Verdi, ce qui a déclenché chez lui une passion pour la scène qui a duré toute sa vie. Au conservatoire de Milan, il a étudié avec Amilcare Ponchielli, qui a reconnu son génie théâtral. Le « Crisantemi » de Puccini pour quatuor à cordes, composé en 1890, est une rare œuvre non opératique, écrite en une seule nuit comme une élégie pour Amadeo di Savoia, duc d'Aoste, un ami de la famille royale italienne. Nommée d'après le chrysanthème, la fleur de deuil en Italie, cette pièce de six minutes est un chef-d'œuvre d'émotion concentrée, dont la mélodie brûlante et les harmonies délicates évoquent un profond chagrin. Puccini, qui a toujours su recycler les idées, a ensuite intégré le thème principal de cette pièce dans son opéra Manon Lescaut, ce qui témoigne de son talent pour la réutilisation des idées musicales. Puccini a composé « Crisantemi » au cours d'une période tumultueuse marquée par des difficultés financières et une liaison scandaleuse avec une femme mariée, Elvira Gemignani, qui a alimenté les ragots dans sa ville natale de Lucques. Le chagrin brut de la pièce peut refléter non seulement la mort du duc, mais aussi les propres troubles émotionnels de Puccini. Contrairement aux grands récits de ses opéras, « Crisantemi » se nourrit de retenue, sa forme en un seul mouvement distillant le don de Puccini pour la mélodie en une miniature de musique de chambre. Son histoire est également liée à l'amour de Puccini pour la chasse ; il se retirait souvent dans la région rurale de Torre del Lago pour composer, et les accents pastoraux de l'élégie peuvent faire écho à ces paysages.

Claude Debussy (1862-1918)

Quatuor à cordes op.10
i. Animé et très décidé
ii. Assez vif et bien rythmé
iii. Andantino, doucement expressif
iv. Très modéré - Très mouvementé

Claude Debussy était un visionnaire musical dont le style impressionniste a redéfini la musique moderne. Talent précoce, il entre au Conservatoire de Paris à l'âge de dix ans et se heurte à la rigidité de la faculté à cause de ses harmonies peu orthodoxes. Ses voyages, notamment ses étés en Russie et son contact avec le gamelan javanais lors de l'exposition de Paris en 1889, ont façonné son esthétique exotique, qui repousse les limites. Dès la vingtaine, il se mêle à des poètes comme Mallarmé et à des compositeurs comme Satie, se forgeant un son typiquement français. Son « Quatuor à cordes op.10 », composé en 1893 à l'âge de 31 ans, est son unique quatuor à cordes et une pierre angulaire du répertoire. Dédié au compositeur Ernest Chausson, il marie la structure traditionnelle en quatre mouvements à des innovations radicales, en utilisant des thèmes cycliques qui reviennent d'un mouvement à l'autre et des harmonies qui scintillent comme la lumière sur l'eau. Ses textures lumineuses et ses rythmes fluides évoquent un monde onirique, distinct de la rigueur germanique de Beethoven ou de Brahms. Debussy a écrit ce quatuor alors qu'il vivait une histoire d'amour tumultueuse avec la chanteuse Gabrielle Dupont, dont la vie de bohème alimentait sa rébellion créatrice. La création de l'œuvre, par le Quatuor Ysaÿe, a suscité des débats ; les critiques l'ont qualifiée de « trop cérébrale », mais elle est rapidement devenue une pierre de touche de la musique de chambre du XXe siècle. La fascination de Debussy pour les arts visuels - en particulier les peintures de Monet - a influencé la qualité picturale du quatuor, dont les motifs se mélangent comme des coups de pinceau. Ce quatuor, avec ses modulations audacieuses et son jeu délicat, incarne cette philosophie et confirme le rôle de Debussy en tant que pionnier qui a fait évoluer le quatuor à cordes vers de nouveaux territoires iridescents.

À propos des artistes

Quatuor Elysée

Fondé en 1995, le Quatuor Elysée est né de la fusion d'anciens membres de deux ensembles distingués, le Quatuor Anton et le Quatuor Ysaÿe, tous deux lauréats du Grand Prix du Concours international d'Evian. Ce pedigree souligne l'excellence technique et la profondeur d'interprétation du quatuor. Le Quatuor Elysée se distingue par sa synthèse unique de deux traditions musicales : l'école française, connue pour son élégance et sa clarté, et l'école russe, caractérisée par son intensité émotionnelle et sa robustesse expressive. Ce mélange favorise une interaction dynamique des idées, permettant au quatuor d'explorer de nouvelles dimensions interprétatives et de livrer des interprétations marquées par l'originalité et la puissance émotionnelle.

Le Quatuor Elysée s'est forgé une réputation internationale, se produisant à travers l'Europe dans des pays tels que l'Angleterre, l'Allemagne, l'Autriche, la Belgique, la Bulgarie, la Slovénie, l'Italie, l'Espagne et le Portugal, ainsi qu'en Israël, au Japon, en Chine, au Canada, au Nicaragua et en Russie. Leur présence mondiale les a amenés à se produire dans des lieux prestigieux tels que le Théâtre du Châtelet et la Salle Cortot à Paris, le Kioi Hall à Tokyo et le Tchaikovsky Hall à Moscou, démontrant ainsi leur capacité à captiver des publics variés dans des lieux emblématiques.

En France, le quatuor est un habitué des festivals de renom, notamment le Festival de l'Orangerie de Sceaux, le Festival du Périgord Noir, le Festival de Quatuors à Cordes de Fayence, le Festival de Quatuors à Cordes du Lubéron, le Festival d'Ile de France, le Festival de l'Abbaye de l'Epau, la Saison Musicale de Proquartet à Fontainebleau, et le Festival de Cunault. Ces engagements soulignent l'importance du quatuor sur la scène française de la musique de chambre et sa polyvalence dans des contextes festivaliers variés.

La collaboration est au cœur de l'éthique du quatuor, et il s'est associé à un nombre impressionnant de musiciens, dont Pascal Amoyel, Franck Braley, Marie-Josèphe Jude, Jean-Marc Luisada, Emmanuelle Bertrand, Marc Coppey, Henri Demarquette, Alain Meunier, François Salque, Gérard Caussé, Michel Lethiec, Paul Meyer, et Philippe Bernold. Ces partenariats reflètent leur adaptabilité et leur sensibilité en matière de musique de chambre, leur permettant de naviguer dans un large éventail de styles et de répertoires.

Leur discographie, enregistrée pour des labels tels que Naxos, Timpani, Triton, Continuo Classics et Zig-Zag Territoires, a été largement saluée par la critique. Bien que les œuvres ou les compositeurs ne soient pas détaillés, ces enregistrements mettent en évidence leur capacité à équilibrer la précision structurelle de la tradition française et la profondeur émotionnelle de l'approche russe, consolidant ainsi leur réputation d'interprètes novateurs.

L'engagement du Quatuor Elysée à jeter un pont entre les traditions culturelles et musicales, combiné à sa longue histoire de concerts et à son esprit de collaboration, le positionne comme une force de premier plan dans le monde du quatuor à cordes.

Pablo Schatzman, violon

Pablo Schatzman est un éminent violoniste et musicien de chambre dont la carrière s'étend de l'interprétation à l'enseignement, en passant par la direction artistique. Né en France, il a perfectionné son art sous la tutelle de deux violonistes éminents : Tibor Varga en Suisse, connu pour son approche technique rigoureuse, et Pinchas Zukerman à New York, célèbre pour son style expressif et lyrique. Ce double mentorat a probablement façonné le jeu polyvalent et nuancé de Schatzman.

En tant que musicien de chambre, Schatzman a apporté une contribution importante en participant à des ensembles tels que le Trio Leos, Musica Nigella et Les Dissonances. Ces groupes sont connus pour leur programmation innovante et leur engagement dans le répertoire classique et contemporain. Ses réalisations dans le domaine de la musique de chambre sont soulignées par des récompenses prestigieuses, notamment au concours de quatuor de Bordeaux et à l'Académie Ravel, qui mettent en évidence ses compétences en matière de collaboration.

Le rôle de directeur artistique de Schatzman amplifie encore son influence dans le monde de la musique. Il est le commissaire de la saison Écouter-Voir à Tourcoing, une série probablement axée sur des présentations musicales interdisciplinaires ou visuellement attrayantes, et du festival Éole en Musiques à Paimboeuf, qui peut mettre l'accent sur des performances communautaires ou spécifiques à un site. Ces initiatives reflètent sa volonté de rendre la musique classique accessible et dynamique.

Sa discographie, qui comprend des œuvres de Beethoven, Ravel, Chausson et Bartók, a été saluée par la critique, notamment par Télérama, Classica et Le Monde, et a reçu des distinctions telles que le Diapason d'Or. Ces enregistrements mettent en évidence sa capacité à naviguer dans divers styles musicaux, de la profondeur structurelle de Beethoven à la complexité rythmique de Bartók.

Outre ses activités de musicien, M. Schatzman est profondément attaché à l'éducation. En tant que professeur au Conservatoire de Saint-Cloud, il forme la prochaine génération de musiciens. Les masterclasses et les conférences qu'il donne au Pôle Supérieur de Lille témoignent de son dévouement à la pédagogie, en abordant des sujets tels que la technique, l'interprétation et la collaboration dans le domaine de la musique de chambre.

Vadim Tchijik, violon

Salué comme « Déjà Maître » par le magazine Diapason, ce violoniste s'est imposé comme un formidable talent sur la scène internationale, remportant les honneurs de certains des concours les plus prestigieux du monde. Il a notamment remporté le concours Niccolò Paganini de Gênes, réputé pour ses exigences techniques et d'interprétation, le concours P.I. Tchaïkovski de Moscou, sommet des concours internationaux de musique, et le concours Rodolfo Lipizer de Gorizia, qui met à l'honneur la virtuosité et la musicalité. En outre, il a été nommé lauréat Juventus par le Conseil de l'Europe, en reconnaissance de son potentiel exceptionnel parmi les jeunes musiciens européens.

Sa carrière internationale de soliste est marquée par des collaborations avec des orchestres de premier plan, notamment à Moscou, aux Pays-Bas, au Mexique, à Ankara, à Fribourg et à Gênes. Il a donné des récitals dans plus de trente pays d'Europe, d'Asie, d'Amérique latine et des États-Unis, mettant en évidence sa polyvalence et son attrait mondial. Il se produit dans des lieux emblématiques tels que le Théâtre des Champs-Élysées et la Salle Gaveau à Paris, le Konzerthaus de Berlin, le Gewandhaus de Leipzig, la Residenz de Munich, le Concertgebouw d'Amsterdam, le Suntory Hall de Tokyo, le Tchaikovsky Hall de Moscou et le Dvořák Hall de Prague, consolidant ainsi sa présence dans les épicentres musicaux du monde entier.

Très demandé dans les festivals, il est un habitué des grands événements tels que Radio France à Montpellier, Pablo Casals, Auvers-sur-Oise, Colmar, Nancyphonies, Saint-Riquier, les Fêtes Romantiques de Nohant, Ravello, Portogruaro, et Alba. Ces apparitions soulignent sa capacité à capter l'attention du public dans des contextes variés, qu'il s'agisse de récitals intimes ou de festivals de grande envergure. Ses enregistrements, qui ont été salués par la critique et récompensés, témoignent de la profondeur de son interprétation et de ses prouesses techniques, bien que des œuvres ou des compositeurs spécifiques ne soient pas détaillés ici.

En tant que chambriste, il collabore avec une liste impressionnante d'artistes, dont Marielle Nordmann, Emmanuel Pahud, Jean-Claude Pennetier, Anne Quéffélec, Georges Pludermacher, Philippe Bernold, Michel Lethiec, Pieter Wispelwey, David Geringas, Marc Coppey, François Salque, Thierry Caëns et Cédric Tiberghien. Ces partenariats soulignent sa sensibilité et sa capacité d'adaptation dans des contextes d'ensemble, qui sont la marque de son talent de musicien.

Au-delà de l'interprétation, il est un directeur artistique visionnaire, qui façonne le paysage musical en dirigeant le Festival international de musique d'Hyères, Les Musicales de Saint-Martin et Les Heures musicales de Binic. En tant que fondateur et directeur de l'ensemble Les Virtuoses, il encourage la collaboration musicale en mettant l'accent sur une programmation innovante ou un répertoire virtuose. Son engagement en faveur de l'éducation est évident dans les masterclasses qu'il dirige en Europe, en Amérique latine et en Asie, où il partage son expertise avec des musiciens émergents.

Vincent Dormieu, alto

(Note : Vincent Dormieu remplace l'altiste Andrei Malakhov pour cette représentation)

Vincent Dormieu, altiste français polyvalent, est une figure importante de la vie orchestrale parisienne depuis 1999, se produisant avec des ensembles réputés tels que l'Orchestre Philharmonique de Radio-France, l'Orchestre National de France, l'Orchestre de Paris, l'Orchestre de Chambre de Paris et l'Opéra National de Paris. Son rôle d'alto solo régulièrement invité par des orchestres tels que l'Orchestre de Bretagne, l'Orchestre d'Auvergne, l'Orchestre de Saint-Étienne et l'Orchestre Colonne met en évidence sa maîtrise technique et sa profondeur expressive. En outre, en tant que co-soliste de l'Orchestre Région-Centre Tours, il occupe une position de leader, contribuant à la direction artistique de l'ensemble.

La présence internationale de M. Dormieu est remarquable, puisqu'il a effectué de nombreuses tournées avec l'Orchestre de Chambre de Paris au Brésil, en Argentine, en Uruguay, au Japon, en Roumanie et en Serbie en 2012, et avec l'Orchestre national de France en Espagne, en Italie, en Allemagne, en Hongrie, en Autriche et en Angleterre entre 2011 et 2012. Ces tournées soulignent sa capacité à capter l'attention des publics du monde entier grâce à ses interprétations nuancées.

Depuis 2001, M. Dormieu est membre des Solistes français, avec lesquels il se produit à Paris et dans toute la France, tant en orchestre de chambre qu'en quatuor. Son affiliation officielle au groupe a commencé en 2012, reflétant son engagement de longue date pour la musique de chambre, où ses compétences de collaboration brillent dans des contextes intimes et dynamiques.

M. Dormieu se consacre également à l'éducation, en enseignant l'alto à Épinay-sur-Seine et en contribuant au programme DÉMOS, une initiative de la Cité de la musique à Paris qui associe la formation orchestrale à l'action sociale. Son travail pédagogique reflète son engagement à former de jeunes musiciens et à favoriser l'accès à l'éducation musicale.

Sa formation a débuté en France avec Jean-Louis Bonafous à Créteil, puis avec Michel Michalakakos à Boulogne, Jean-Baptiste Brunier et Sabine Toutain à Paris, où il a acquis de solides bases techniques et interprétatives. M. Dormieu a perfectionné ses compétences en musique de chambre au ProQuartet de Paris et à la Britten-Pears School d'Aldeburgh, au Royaume-Uni, en étudiant avec des ensembles légendaires tels que les quatuors Borodine, Smetana et Amadeus. Cette exposition à diverses traditions musicales a enrichi son approche de la musique orchestrale et de la musique de chambre.

La carrière multiforme de M. Dormieu en tant que chef d'orchestre, musicien de chambre et pédagogue fait de lui un acteur essentiel de la scène musicale classique française. Son expérience internationale et son dévouement à l'enseignement soulignent l'ampleur de son impact.

Igor Kiritchenko, violoncelle

Igor Kiritchenko, violoncelliste d'origine ukrainienne, s'est forgé une carrière remarquable marquée par ses études à Odessa, Moscou et Paris. Sa formation auprès de sommités telles que Vladimir Berlinsky du Quatuor Borodine, réputé pour ses interprétations autoritaires du répertoire russe, et Hatto Beyerle du Quatuor Alban Berg, célèbre pour son approche nuancée et moderniste, l'a doté d'une base musicale riche et polyvalente.

Kiritchenko a connu un succès précoce en remportant le concours international de violoncelle de Belgrade, qui a fait de lui un soliste exceptionnellement prometteur. En tant que membre du Quatuor Anton de 1989 à 1995, il a obtenu des récompenses remarquables, notamment le Grand Prix du Concours international d'Évian, le Prix du jury de la presse internationale, le Prix spécial de la SACEM, le Premier Prix du Concours international Chostakovitch de Saint-Pétersbourg et un Prix spécial pour la meilleure interprétation de la musique russe. Ces récompenses soulignent ses prouesses techniques et sa profonde affinité pour les traditions musicales russes.

Il s'est produit dans les salles les plus prestigieuses du monde, notamment au Théâtre des Champs-Élysées, au Théâtre de la Ville et à la Salle Gaveau à Paris, à la Herkulessaal de Munich, à la Sala Verdi de Milan, au Barbican Centre de Londres, à l'Académie Santa Cecilia de Rome et au Metropolitan Art Hall de Tokyo. Des personnalités estimées telles que Mstislav Rostropovich, qui l'a invité au Festival Prokofiev, et Sviatoslav Richter, qui l'a inclus dans le Festival des Soirées de Décembre, ont reconnu son talent artistique, consolidant ainsi sa stature internationale.

En musique de chambre, Kiritchenko a collaboré avec des sommités telles que Yuri Bashmet, Gérard Caussé, Pierre-Laurent Aimard, Evgeny Naoumov, et des ensembles tels que les quatuors Borodine, Manfred, Ravel et Debussy. Ces partenariats témoignent de sa capacité d'adaptation et de sa sensibilité à divers styles musicaux. En tant que membre fondateur de plusieurs ensembles - dont l'Anton Quartet, le Quatuor Elysée, le Trio Alta, le Trio Equinox, le Juon Project, le Trio Bohème, le Trio In Breve et le Trio Arios - il a fait preuve d'un engagement de toute une vie en faveur de la création musicale en collaboration, explorant un large éventail de répertoires.

La vaste discographie de Kiritchenko comprend plus de vingt enregistrements, complétés par de nombreuses apparitions à la radio et à la télévision, qui témoignent de la profondeur et de la polyvalence de son interprétation. Bien que les œuvres ou les labels spécifiques ne soient pas détaillés, ses contributions couvrent probablement le répertoire classique et contemporain du violoncelle et de la musique de chambre, reflétant sa formation et ses affiliations à des ensembles.

La carrière de Kiritchenko, marquée par des succès en solo, l'excellence en musique de chambre et la direction d'ensembles, le positionne comme une figure centrale dans le monde de la musique classique. Sa capacité à jeter un pont entre les traditions musicales russes et occidentales, combinée à sa présence mondiale, souligne son impact durable.