Franz Liszt (1811-1886)
Hungarian Rhapsody no. 2

Franz Liszt’s reputation lives on not just because of his compositions, many of which are part of the standard concert repertoire, but also because of his legendary status as a performer. Liszt’s contemporary, the poet Heinrich Heine, coined the term “Lisztomania” to describe the public reaction to his concerts, and he has been called the first classical music “rock star”.  Liszt was born in Hungary. His early exposure to music was through attending Mass, hearing travelling Romany bands playing their traditional music, and listening to performances on the estate of Prince Nicholas Esterhazy. These three strands, liturgical, Romany and classical music formed the foundations of his compositions. He spent almost his entire life at the centre of European musical culture. His first public performance at the age of nine led to piano lessons from Carl Czerny, a friend of Beethoven, and he studied composition under Antonio Salieri (Mozart’s nemesis, if you believe the movie, Amadeus). While giving concerts in Vienna, he met Schubert and Beethoven; He was a friend of Berlioz and Chopin, and he championed the music of Wagner.

In 1846, at the age of thirty-five, Liszt abandoned his phenomenally successful career as a touring virtuoso in order to concentrate on composition. He began work on his set of Hungarian Rhapsodies the following year.  They were published in 1851. Rhapsody No. 2 is certainly the best-known of the set. Derived from Hungarian csardas, or folk dances, it consists of two movements:  the opening lassan is dramatic and stately, while the friska which follows is energetic and flamboyantly pianistic.  Rhapsody No. 2 achieved some notoriety in America when it was used as the basis of an Oscar-winning Tom and Jerry cartoon.

Maurice Ravel (1875-1937)
Miroirs
Pavane pour une infante défunte

Although Maurice Ravel’s best-known work, Bolero, has become something of a cultural cliche, Ravel was no one-hit wonder. In the 1920s and 1930s, he was considered the greatest living French composer. Born in the Basque region of France, eighteen kilometres from the Spanish border, Ravel was the son of an engineer and inventor (Pierre-Joseph Ravel invented a circus ride called “The Whirlwind of Death”). Ravel’s earliest memories included the Spanish folk songs his mother, who had grown up in Madrid, sang to him as a child.  His family moved to Paris when he was three, and young Ravel started piano lessons at age seven.  He entered the Paris Conservatoire as a fourteen-year-old and while he won a piano competition there in 1891, his main interest was in composition. He ran into difficulty because his musical ideas were more progressive than the highly conservative faculty of the Conservatoire would allow. However, he became an integral part of Paris’ fin de siecle music scene and by the time he turned thirty, he had established an international reputation. His approach to composition can be summed up in advice he gave to one of his students, Ralph Vaughn Williams, “Whatever sauce you put around the melody is a matter of taste. What is important is the melodic line.”

Around 1900, Ravel joined a group of “artistic outcasts” who called themselves “Les Apaches”. In 1904-05, he completed a suite of five piano pieces, Miroirs, each piece dedicated to one of his fellow members of the group. The first piece, “Noctuelles” (“Night Moths”) is dark and impressionistic; the second, “Oiseaux tristes” represents birds whistling a sad tune. "Une barque sur l'océan" depicts the flow of ocean currents carrying a boat along on the waves. "Alborada del gracioso" (“Morning Song of the Jester”) incorporates Spanish themes into a complex melodic pattern, while the final section, "La vallée des cloches” evokes the sounds of bells echoing up and down a valley.

Composed in 1899, Pavane pour une infante défunte was the first of Ravel’s compositions to gain wide appeal, and it remains one of his most popular works. A pavane is a slow, stately dance performed in the royal courts of Europe in the sixteenth and seventeenth centuries. Ravel described the piece as "an evocation of a pavane that a little princess might, in former times, have danced at the Spanish court". 

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Piano Sonata no. 14 in C sharp minor, op. 27 no. 2 "Moonlight"
i. Adagio sostenuto
ii. Allegretto
iii. Presto agitato

Piano Sonata no. 14 is known as “The Moonlight Sonata”. Beethoven did not give it this title; the first edition, published in 1802, carries the Italian inscription, Sonata quasi una fantasia (Sonata almost a fantasia). So why do we know it as “The Moonlight”? In a short story published in 1824, German poet and music critic Ludwig Rellstab, likened the first movement of the already tremendously popular sonata to a lake reposing “in twilit moon-shimmer [Mondenschimmer]”.  The comparison stuck. By the 1830s the title “Moonlight Sonata” was being used on the title page of new editions.

Beethoven completed the sonata in 1801. He called it a “Sonata almost a fantasia” to suggest a freer structure than the traditional arrangement of fast–slow–[fast]–fast movements that was characteristic of the Classical period. In fact, this sonata is considered one of the earliest pieces of the Romantic era.  Beethoven’s student, Carl Czerny, called the opening adagio movement, "a nocturnal scene, in which a mournful ghostly voice sounds from the distance".  Franz Liszt described the second movement Allegretto as "a flower between two chasms". It is a cheerful but relatively conventional minuet in triple time. The final movement, Presto Agitato, is stormy; its unbridled emotion a far remove from “the calm moonlight on Lake Lucerne”.  

Intermission

J.S. Bach (1685-1750)
Prelude and Fugue no. 4 in C sharp minor (BWV 873)

Johann Sebastian Bach was incredibly prolific. He produced over a thousand compositions and had twenty children. To say that he came from a musical family is a bit of an understatement; his great grandfather, grandfather plus several uncles and grand uncles worked as town musicians and composers. His father, Johann Ambrosius Bach was a musician employed by the city of Eisenach, where Johann Sebastian was born. When Johann Sebastian was orphaned at age ten, he was sent to Luneburg to live with his eldest brother, Johann Christoph, also a musician, who continued his younger brother’s musical education. From the age of eighteen, Bach found steady employment as an organist, music director and composer both at churches and at ducal courts, finally settling in Leipzig where he spent his last twenty-seven years.

In 1722, Bach published a set of preludes and fugues in all 24 major and minor keys, "for the profit and use of musical youth desirous of learning, and especially for the pastime of those already skilled in this study".  Twenty years later, he produced a second set, now known as The Well-Tempered Clavier, Book 2.  The “Prelude and Fugue no. 4” comes from Book 2.  The prelude is slow and ruminative in a fantasie style while the fugue brings significant contrast, picking up the pace with a gigue-like main subject. 

André Mathieu (1929-1968)
Concerto de Québec

It is unlikely that Canada has produced a musical prodigy the equal of André Mathieu. Born in Montréal in 1929, Mathieu began composing at the age of four. At age six, he gave his first recital playing his own composition at the Ritz Carlton Hotel in Montréal. In 1936 Mathieu performed his Concertino No.1 for Piano and Orchestra as a soloist on the CBC; he was seven. As a ten-year-old, he performed a series of concerts of his work in Paris where he was studying piano and composition. The concerts were received enthusiastically by Parisian critics who agreed unanimously that he was “the Canadian Mozart”.  Prevented from returning to France by the outbreak of World War II, Mathieu performed a series of recitals in Canada and the United States, including three performances at Carnegie Hall. He also continued to win prizes as a composer. In 1946, he returned to Paris to study composition and piano, but returned to Montréal the following year, exhausted and depressed. In his twenties, he succumbed to alcoholism, and while, throughout the 1950s, he continued to compose, perform and teach to make a living, his star had faded. He died in obscurity at the age of thirty-nine. Recently, there has been a revival of interest in Mathieu, and his body of work is gradually being reintroduced into the concert repertoire.

Mathieu wrote his third piano concerto in 1943, at the age of fourteen. He titled it “Concerto Romantique”, and it does show the influence of the late romantic style of Rachmaninoff. The piece attained great popularity in Québec when it appeared in the film La Forteresse, a thriller set in Québec City. It is now known as Concerto de Quebec.

Mili Balakirev (1837-1910)
Islamey, op. 18

SAMEDI 21 SEPTEMBRE 2024

19h30

18,00 $ - 42,00 $/PLACES ASSISES

BILLETS ÉLECTRONIQUES

STAGE AT ST. ANDREWS • 6036 COBURG RD

K’JIPUKTUK/HALIFAX - MI’KMA’KI/NOUVELLE-ÉCOSSE

ACCESSIBLE EN FAUTEUIL ROULANT

SÉRIE DE CONCERTS SUR LA SCÈNE PRINCIPALE

Franz Liszt (1811-1886)
Rhapsodie hongroise n° 2

La réputation de Franz Liszt perdure non seulement grâce à ses compositions, dont beaucoup font partie du répertoire standard des concerts, mais aussi grâce à son statut légendaire d'interprète. Le contemporain de Liszt, le poète Heinrich Heine, a inventé le terme « Lisztomania » pour décrire la réaction du public lors de ses concerts, et il a été qualifié de première « rock star » de la musique classique.  Liszt est né en Hongrie. Il a découvert la musique à la messe, en écoutant des groupes roms itinérants jouer leur musique traditionnelle et lors de concerts dans la propriété du prince Nicholas Esterhazy. Ces trois courants, la musique liturgique, la musique rom et la musique classique, ont constitué les fondements de ses compositions. Il a passé presque toute sa vie au centre de la culture musicale européenne. Sa première prestation publique à l'âge de neuf ans l'a amené à prendre des leçons de piano avec Carl Czerny, un ami de Beethoven, et il a étudié la composition avec Antonio Salieri (l'ennemi juré de Mozart, si l'on en croit le film Amadeus). Alors qu'il donne des concerts à Vienne, il rencontre Schubert et Beethoven ; il est l'ami de Berlioz et de Chopin, et il défend la musique de Wagner.

En 1846, à l'âge de trente-cinq ans, Liszt abandonne sa carrière d’interprète virtuose, qui connaît un succès phénoménal, pour se consacrer entièrement à la composition. L'année suivante, il commence à travailler sur la série de Rhapsodies hongroises.  Celles-ci ont été publiées en 1851. La Rhapsodie n° 2 est certainement la plus connue. Dérivée des csardas hongroises, ou danses folkloriques, elle se compose de deux mouvements : le lassan d'ouverture est dramatique et majestueux, tandis que la friska qui suit est énergique et pianistiquement flamboyante.  La Rhapsodie n° 2 a atteint une certaine notoriété en Amérique du Nord lorsqu'elle a servi de base à un dessin animé de Tom et Jerry, récompensé par un Oscar.

Maurice Ravel (1875-1937)
Miroirs
Pavane pour une infante défunte

Bien que l'œuvre la plus connue de Maurice Ravel, le Boléro, soit devenue une sorte de cliché culturel, Ravel n'était pas un phénomène unique. Dans les années 1920 et 1930, il était considéré comme le plus grand compositeur français vivant. Né dans la région basque de la France, à dix-huit kilomètres de la frontière espagnole, Ravel était le fils d'un ingénieur et d'un inventeur (Pierre-Joseph Ravel a inventé un manège de cirque appelé « Le tourbillon de la mort »). Les premiers souvenirs de Ravel sont les chansons folkloriques espagnoles que sa mère, qui avait grandi à Madrid, lui chantait lorsqu'il était enfant.  Sa famille s'installe à Paris lorsqu'il a trois ans, et le jeune Ravel commence à prendre des leçons de piano à l'âge de sept ans.  Il entre au Conservatoire de Paris à quatorze ans et, bien qu'il remporte un concours de piano en 1891, il s'intéresse surtout à la composition. Il rencontre des difficultés parce que ses idées musicales sont plus progressistes que ne le permet la faculté très conservatrice du Conservatoire. Cependant, il est devenu partie intégrante de la scène musicale parisienne de la fin du siècle et, à l'âge de trente ans, il s'est forgé une réputation internationale. Son approche de la composition peut être résumée par le conseil qu'il a donné à l'un de ses élèves, Ralph Vaughn Williams : « La sauce que vous mettez autour de la mélodie est une question de goût. Ce qui est important, c'est la ligne mélodique ».

Vers 1900, Ravel rejoint un groupe de « marginaux artistiques » qui se nomment eux-mêmes « Les Apaches ». En 1904-1905, il achève une suite de cinq pièces pour piano, les Miroirs, chaque pièce étant dédiée à l'un des membres du groupe. La première pièce, « Noctuelles », est sombre et impressionniste ; la seconde, « Oiseaux tristes », représente des oiseaux sifflant un air triste. « Une barque sur l'océan » dépeint le flux des courants marins emportant un bateau sur les vagues. L'« Alborada del gracioso » (« Chanson matinale du bouffon ») incorpore des thèmes espagnols dans un motif mélodique complexe, tandis que la dernière section, « La vallée des cloches », évoque le son des cloches qui résonnent dans une vallée.

Composée en 1899, la Pavane pour une infante défunte a été la première œuvre de Ravel à susciter un large intérêt, et elle reste l'une de ses œuvres les plus populaires. Une pavane est une danse lente et majestueuse exécutée dans les cours royales d'Europe aux XVIe et XVIIe siècles. Ravel a décrit la pièce comme « une évocation d'une pavane qu'une petite princesse aurait pu, autrefois, danser à la cour d'Espagne ».

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Sonate pour piano n° 14 en ut dièse mineur, op. 27 n° 2 "Clair de lune"
i. Adagio sostenuto
ii. Allegretto
iii. Presto agitato

La Sonate pour piano n° 14 est connue sous le nom de « Sonate au clair de lune ». Beethoven ne lui a pourtant jamais donné ce titre ; la première édition, publiée en 1802, porte l'inscription italienne Sonata quasi una fantasia (Sonate presque une fantaisie). Alors pourquoi la connaît-on sous ce nom ? Dans une nouvelle publiée en 1824, le poète et critique musical allemand Ludwig Rellstab a comparé le premier mouvement de la sonate, déjà extrêmement populaire, à un lac au repos « dans un clair de lune crépusculaire [Mondenschimmer] ».  La comparaison est restée. Dès les années 1830, le titre « Sonate au clair de lune » figurait sur les nouvelles éditions.

Beethoven achève la sonate en 1801. Il l'a appelée « Sonate presque une fantaisie » pour suggérer une structure plus libre que l'arrangement traditionnel de mouvements rapide-lent-[rapide]-rapide qui était la caractéristique de la période classique. En fait, cette sonate est considérée comme l'une des premières œuvres de l'ère romantique.  Carl Czerny, élève de Beethoven, a qualifié le premier mouvement adagio de « scène nocturne, dans laquelle une voix fantomatique et triste retentit au loin ».  Franz Liszt a décrit le deuxième mouvement Allegretto comme « une fleur entre deux gouffres ». Il s'agit d'un menuet joyeux, mais relativement conventionnel, à trois temps. Le dernier mouvement, Presto Agitato, est orageux ; son émotion débridée est très éloignée du « calme clair de lune sur le lac des Quatre-Cantons ».  

Entracte

J.S. Bach (1685-1750)
Prélude et fugue n° 4 en do dièse mineur (BWV 873)

Jean-Sébastien Bach était incroyablement prolifique. Il a produit plus de mille compositions et a eu vingt enfants. Dire qu'il venait d'une famille de musiciens est un euphémisme : son arrière-grand-père, son grand-père et plusieurs de ses oncles et grands-oncles étaient tous musiciens et compositeurs. Son père, Johann Ambrosius Bach, était un musicien employé par la ville d'Eisenach, où Jean-Sébastien est né. Lorsqu’il devient orphelin à l'âge de dix ans, il est envoyé à Luneburg pour vivre avec son frère aîné, Johann Christoph, également musicien, qui poursuit l'éducation musicale de son jeune frère. À partir de l'âge de dix-huit ans, Bach a trouvé un emploi stable en tant qu'organiste, directeur musical et compositeur dans des églises et à la cour ducale, pour finalement s'installer à Leipzig où il a passé les vingt-sept dernières années de sa vie.

En 1722, Bach publie un ensemble de préludes et de fugues dans les 24 tons majeurs et mineurs, « pour le bénéfice et l'usage des jeunes musiciens désireux d'apprendre, et surtout pour le passe-temps de ceux qui sont déjà versés dans cette étude ».  Vingt ans plus tard, il produisit un deuxième ensemble, aujourd'hui connu sous le nom de Clavier bien tempéré, livre 2.  Le « Prélude et fugue n° 4 » est extrait du livre 2. Le prélude est lent et ruminatif, dans le style d'une fantaisie, tandis que la fugue apporte un contraste significatif, en accélérant le rythme avec un sujet principal en forme de gigue.

André Mathieu (1929-1968)
Concerto de Québec

Il est peu probable que le Canada ait produit un prodige musical de la trempe d'André Mathieu. Né à Montréal en 1929, Mathieu commence à composer dès l'âge de quatre ans. À six ans, il donne son premier récital en jouant ses propres compositions à l'hôtel Ritz Carlton de Montréal. En 1936, Mathieu interprète son Concertino no 1 pour piano et orchestre en tant que soliste à CBC ; il a alors sept ans. À dix ans, il donne une série de concerts de ses propres œuvres à Paris, où il étudie le piano et la composition. Ces concerts sont accueillis avec enthousiasme par les critiques parisiens, qui s'accordent à dire qu'il est « le Mozart canadien ».  Ne pouvant retourner en France au début de la Seconde Guerre mondiale, Mathieu donne une série de récitals au Canada et aux États-Unis, dont trois au Carnegie Hall. Il continue également à remporter des prix en tant que compositeur. En 1946, il retourne finalement à Paris pour étudier la composition et le piano, mais revient à Montréal l'année suivante, épuisé et déprimé. Alors dans la vingtaine, il succombe à l'alcoolisme et, bien qu'il continue à composer, à jouer et à enseigner pour gagner sa vie dans les années 1950, son étoile a pâli. Il meurt dans l'obscurité à 39 ans.  Récemment, on a assisté à un regain d'intérêt pour Mathieu, et son œuvre est progressivement ré-introduite dans le répertoire des concerts.

Mathieu a écrit son troisième concerto pour piano en 1943, à quatorze ans. Il l'intitule « Concerto romantique », et on y retrouve l'influence du style romantique tardif de Rachmaninov. La pièce a atteint une grande popularité au Québec lorsqu'elle est apparue dans le film La Forteresse, un thriller dont l'action se déroule dans la ville de Québec. Elle est aujourd'hui connue sous le nom de Concerto de Québec.

Mili Balakirev (1837-1910)
Islamey, op. 18

Pianiste, chef d'orchestre et compositeur, Mili Balakirev est surtout connu aujourd'hui comme le promoteur de la musique nationaliste russe et le mentor d'un groupe de jeunes compositeurs comprenant Tchaïkovski, Borodine, Moussorgski et Rimski-Korsakov. Balakirev est né dans une ancienne famille noble russe de la ville de Nijni Novgorod. Dès son plus jeune âge, sa mère lui donne des leçons de piano et, à l'adolescence, il suit les cours du plus grand musicien de Nijni Novgorod, qui lui donne l'occasion, à quinze ans, de diriger l'orchestre de la ville lors de représentations du Requiem de Mozart et de symphonies de Beethoven. Il rencontre et étudie avec Mikhail Glinka et, bien que ce dernier meure en 1857, l'année que Balakirev passe avec lui déclenche en lui une passion pour le nationalisme russe, qui l'amène à adopter la position selon laquelle la Russie devrait avoir sa propre école de musique. 

En tant que compositeur, Balakirev a terminé ses œuvres majeures de nombreuses années après les avoir commencées, à l'exception d'Islamey : Oriental Fantasy, qu'il a composée en moins d'un mois à la fin de l'été 1869, à la suite d'une visite dans la région du Caucase en Russie. Dans une lettre à un ami, Balakirev explique comment il en est venu à composer cette œuvre si rapidement : « Comme je m'intéressais à la musique vocale de cette région, j'ai fait la connaissance d'un prince circassien, qui venait souvent me voir et jouait des airs folkloriques sur son instrument, qui ressemblait à un violon. L'un d'eux, appelé Islamey, un air de danse, me plut extraordinairement et ... J'ai commencé à l'arranger pour le piano. Le second thème m'a été communiqué à Moscou par un acteur arménien, originaire de Crimée, qui m'a assuré que ce thème était bien connu des Tatars de Crimée ».

Jean-Philippe Sylvestre, piano

Réputé pour sa technique éblouissante et sa grande imagination, Jean-Philippe Sylvestre est qualifié de poète du piano par Yannick Nézet-Séguin. Tant ici qu'à l'échelle internationale, l'artiste de Sainte-Julie, Québec, a souvent été récompensé en recevant le prix Virginia Parker, la plus haute distinction décernée par le Conseil des Arts du Canada, le premier prix et le prix du public du Concours de l'Orchestre symphonique de Montréal, le premier prix, à plusieurs reprises, au Concours de musique du Canada et plusieurs autres. 

Jean-Philippe s'est produit sur plusieurs scènes internationales dont la prestigieuse Philharmonie de Berlin, la Musikverein de Vienne, le Concertgebouw d'Amsterdam, la salle Gaveau, au Kings place de Londres, à la salle Cortot et le Musée Jacquemart-André à Paris, au Sydney recital hall, à la salle Oriol Martorell à Barcelone, au Palais des Beaux Arts de Bruxelles, à l'auditorium St-Pierre des cuisines de Toulouse, au Teatro Mayor de Bogotá et au Teatro Metropolitano de Medellín en Colombie, au Theatro Municipal de Rio de Janeiro et au Teatro B32 de Sao Paulo au Brésil. Il s'est également produit sur les plus grandes scènes Canadiennes dont la Maison symphonique, la Salle Wilfrid-Pelletier et Salle Bourgie à Montréal, au Glenn Gould Studio et George Weston Hall à Toronto, au Centre national des Arts à Ottawa et plusieurs autres. 

En automne dernier, Jean-Philippe Sylvestre donne deux récitals solos à la prestigieuse Maison Symphonique de Montréal ainsi qu'au Palais Montcalm de Québec. Les deux concerts faisaient salle comble et furent acclamés par le public et les critiques. En avril dernier, M. Sylvestre enregistra un disque comme soliste avec l'Orchestre Symphonique de Londres sous l'étiquette de disque CHANDOS. En février 2022, Jean-Philippe collabore de nouveau avec le chef Yannick Nézet Séguin et l'Orchestre Métropolitain à la Maison Symphonique de Montréal. Un peu plus tard, on pouvait l'entendre avec l'Orchestre Symphonique de Toledo aux États-Unis et Alain Trudel, avec l'Orchestre Symphonique de Laval dans le concerto no.3 de Rachmaninov et l'Orchestre Symphonique de Trois-Rivières dans le 2e concerto du même compositeur. Le 27 mai dernier, il se produit de nouveau à la Maison Symphonique de Montréal avec l'Orchestre Classique de Montréal sous la direction de Jacques Lacombe. En août dernier, il était le soliste choisi pour une tournée de 5 concerts en Amérique du sud, Colombie et Brésil, avec l'Orchestre Symphonique de Longueuil.

En novembre 2019, M.Sylvestre réalise une tournée de sept concerts en Australie et se produit entre autres à Sydney et Melbourne. Il est régulièrement invité à se produire avec l'Orchestre Métropolitain, l'Orchestre Symphonique de Québec, de Longueuil, de Laval, et aussi en solo aux quatre coins du monde. En août 2018, il enregistre le concerto de Jacques Hétu à la prestigieuse Maison Symphonique de Montréal, avec l'Orchestre Symphonique de Laval sous étiquette ATMA. Ce disque obtient une nomination au prix JUNOS 2021. Son plus récent album de la musique de Ravel interprétée sur un piano Érard 1854 reçoit plusieurs éloges. Le 27 avril 2021 dernier, il est invité par l'Orchestre Classique de Montréal sous la direction de Boris Brott, pour interpréter le concerto de Mozart no. 23. Les critiques citent entre autres: «Jean-Philippe Sylvestre nous a simplement séduits». Le 30 mars 2021, il donne un récital solo axé sur la musique de Ravel au Domaine Forget de Charlevoix. En 2016 il était invité par Maestro Kent Nagano à interpréter un concert dans la «Virée Classique» de l' Orchestre Symphonique de Montréal. Il se produit également régulièrement comme chambriste avec les renommés musiciens Stéphane Tétreault, Marc Djokic, Antoine Bareil, Matthias Maute et Alain Trudel pour n'en nommer que quelques-uns et il est aussi en demande comme juge. En décembre 2019, il enregistre avec l'Orchestre Philarmonique de Nürnberg, Allemagne, le concerto no.1 de Tchaikowsky. Au cours des deux dernières années, M. Sylvestre a réalisé l'enregistrement de deux autres disques des concertos d'André Mathieu et de Sergei Rachmaninov avec l'Orchestre Métropolitain, pour un total de six disques à son actif. Plus récemment il a également enregistré l'intégrale de la musique de chambre du compositeur André Mathieu. Les disques, sous l'étiquette ATMA CLASSIQUE, ont tous reçu de nombreuses critiques élogieuses. En 2014-2015, Jean-Philippe collabore avec les Grands Ballets Canadiens comme pianiste répétiteur/improvisateur et par la suite il remporte le prix 2016 de l’atelier studio-résidence à Paris du Conseil des Arts du Québec

Plus tôt dans sa carrière, Jean-Philippe s'est produit dans les salles Wilfrid Pelletier et Pierre-Mercure à Montréal, le Glenn Gould Studio et le Georges Weston Hall à Toronto ainsi que le Centre National des Arts à Ottawa. Il se produit régulièrement lors du festival Classica, En 2016, on pouvait entendre M.Sylvestre en récital à Paris à l'Ambassade de Pologne, au Centre Culturel Canadien, au Conservatoire de Vincennes ainsi qu'à la Cité internationale des Arts. En novembre 2015, il donnait un récital à la Chapelle historique du Bon-Pasteur et en octobre de cette même année, il se produisait comme soliste avec l'Orchestre Symphonique de Longueuil où il interprète le 3e concerto de Rachmaninoff. En juillet 2011, il donne deux concerts avec l’Orchestre Métropolitain du Grand Montréal sous la direction de Yannick Nézet Séguin où il est acclamé par le public et les critiques. Au cours des dernières années, on pouvait aussi entendre Mr. Sylvestre à Santa Barbara, Californie, et à Berlin. En janvier 2014, il participe à une résidence au Banff Centre, prix octroyé par le Conseil des Arts du Québec, et il se produisit également au Conservatoire de Musique de Montréal le 8 mars de cette même année.

M.Sylvestre a collaboré avec les chefs Yannick Nézet Séguin, Jacques Lacombe, Christian Schulz, Richard Bradshaw, Boris Brott, Simon Streatfeild, Fabien Gabel et Rolf Bertsch pour n'en citer que quelques-uns. En 2006, lors des représentations de L'Anneau du Nibelung par le Canadian Opera Company de Toronto, il interprète ses propres compositions de 24 Paraphrases tirées de ce cycle de Richard Wagner. Lors du même événement, il exécute la première de trois transcriptions de Wagner écrites par Glenn Gould. Lors du concours de l’Orchestre Symphonique de Montréal de l'année 2000, il se mérite le 1er prix, le prix du public ainsi que la bourse Paul Merkelo. Lors du 31e Concours National des Jeunes Interprètes de Radio-Canada, il obtient le deuxième prix, le prix du public, le prix pour la meilleure interprétation de l’oeuvre imposée ainsi qu’une bourse d’études aux Holland Music Sessions. À plusieurs reprises, il obtient le premier prix à de nombreux concours locaux, tels les Concours de l'Orchestre Symphonique de la Montérégie et celui de Trois-Rivières. Il est également récipiendaire du prix John Newmark du concours prix d’Europe 2007 et se méritait le premier prix au Concours des Journées de la Musique Française, présenté par le Théâtre Lyrichorégra 20. 

Sur le plan international, comme lauréat du Concours Concertino Praga il participe à une série de concerts pour le "South Bohemian Festival" à Prague et en Bohème. Aux étés 2007 et 2008, il donne des récitals au Centre d’Arts Orford ainsi qu’au festival international de musique de chambre d’Ottawa. Il est alors invité pour la deuxième fois par Eric Friesen à son émission “live” Studio Sparks. Au printemps 2008, M. Sylvestre entreprend une tournée de vingt concerts à travers le Québec, le Nouveau-Brunswick et la Nouvelle-Écosse, tournée organisée par les Jeunesses Musicales du Canada. En 2009, il se produit à Belo Horizonte au Brésil, à Santa Barbara ainsi qu’à Toronto où il offre un concert privé pour l’honorable Mme Adrienne Clarkson, gouverneure générale du Canada. En 2010, il se produit en Allemagne, en Californie, en France ainsi qu’au Brésil. Jean-Philippe possède une vaste expérience de la scène. Il a également participé à plusieurs émissions de radio et télévision dont Bravo TV et CBC Music Around Us.

Natif de Ste-Julie, Québec, Jean-Philippe Sylvestre débute ses études musicales à l'âge de quatre ans. Il détient un lauréat de l’École de Musique Vincent-d’Indy et un baccalauréat de l'Université de Montréal obtenu sous la direction de Marc Durand. Il poursuit ses études musicales sous la gouverne du réputé John Perry et obtient un "Artist Diploma" du Glenn Gould School du Royal Conservatory of Music of Toronto. Après quelques années de perfectionnement en Italie, et en Allemagne sous la direction de Louis Lortie, il a poursuivi son expertise musicale en étudiant avec de grands maîtres tels Michel Dalberto, Jacques Rouvier, Gerhard Oppitz, Jerome Lowenthal, Leon Fleisher, Mikhail Voskresensky, Marie-Françoise Bucquet, Anton Kuerti et Menahem Pressler. Jean-Philippe Sylvestre est récipiendaire d'une RBC Youth Excellence Scholarship du Banff Centre 2006 ainsi que d'un Fellowship du Aspen Music Festival and School 2004. Il est également récipiendaire d’un Fellowship du Music Academy of the West 2009 où il entreprit un stage de perfectionnement intensif de 2 mois auprès de Jerome Lowenthal. À plusieurs reprises, il s’est mérité des bourses de perfectionnement du Conseil des Arts du Canada et du Conseil des Arts et des Lettres du Québec.

Notes de programme rédigées par Larry Bent. Traduction française par Isabelle Pédot. © 2024 Cecilia Concerts.