Ensemble Faenza Program

El Baxel
Anonymous

For Love
Henry Purcell (1659 – 1695)

The Soldier's Song
Tobias Hume (c. 1579 – 1645)

She Loves
Henry Purcell (1659 – 1695)

When to Her Lute Corinna Sings
Thomas Campion (1567 – 1620)

Julia, Julia
Henry Purcell (1659 – 1695)

Here the Deities Approve
Henry Purcell (1659 – 1695)

Viens, ma lyre
André Campra (1660 – 1744)

On n'aime plus dans ces bocages
Sébastien Le Camus (c. 1610 – 1677)

Chaconne
Robert de Visée (c. 1655 – 1732/33)

À l'amour
Jean-Baptiste de Bousset (1662 – 1725)

La Folie et l'Amour
Jean de La Fontaine (1621 – 1695)

Les Folies d'Espagne
Marin Marais (1656 – 1728)

Apollon, c'est toi que j'implore
François Campion (1686 – 1747)

Torna, deh torna
Giulio Caccini (1551 – 1618)

Chi vidde più lieto
Bellerofonte Castaldi (1580 – 1649)

Non voglio amare
Carlo Milanuzzi (c. 1590 – after 1647)

Pur ti miro (from L'incoronazione di Poppea)
Claudio Monteverdi (1567 – 1643)

 

About the Program

This carefully curated program from France’s acclaimed Ensemble Faenza offers a thoughtful and immersive exploration of early Baroque music, focusing on the contrasting stylistic developments between France, Italy, and England in the 17th and early 18th centuries. The program showcases a diverse collection of vocal and instrumental works, representing the emotional intensity, complexity, and formal innovation that defined this transformative period in music history. By presenting compositions from figures like Henry Purcell, Giulio Caccini, Marin Marais, Sébastien Le Camus, and Robert de Visée, Ensemble Faenza reveals the intricate interplay between music, text, and emotion that lies at the heart of Baroque aesthetics. Their historically informed approach captures the delicate balance between ornamentation and restraint, characteristic of the Baroque, while emphasizing the era’s deep connection to theatricality, storytelling, and cultural exchange.

A central theme running through the program is the exploration of love and its many facets, a dominant motif in Baroque art. From the English Baroque of Henry Purcell, whose "For Love" and "The Soldier’s Song" display his extraordinary ability to marry expressive melody with poignant text setting, to the Italian lyricism of Giulio Caccini’s "Torna, deh torna," which conveys the emotional depth of longing, the music offers a vivid portrayal of human passions. Purcell’s career, which began as a chorister at the Chapel Royal and led him to become one of England’s most revered composers, was marked by his knack for text-driven composition—an art he refined while writing incidental music for the London stage. Interestingly, Purcell composed directly at the organ or harpsichord, giving his music an immediate connection to the instrumental traditions of the time while emphasizing the text's emotionality. His legacy is one of blending English, French, and Italian influences, and his ability to craft music that deeply connects to the human experience is unmatched.

Giulio Caccini, by contrast, played a pioneering role in the birth of opera and the development of the monodic style, which was a revolutionary break from the complex polyphony of the Renaissance. Caccini was a member of the Florentine Camerata, a group of poets, scholars, and musicians dedicated to reviving the expressive power of ancient Greek music. He composed with a view to making the text as clear and emotionally direct as possible, believing that melody should serve the words. His "Torna, deh torna" reflects this ethos, where the voice is placed at the forefront, carrying the emotion while the instrumental accompaniment remains simple and supportive. Caccini’s "Le Nuove Musiche" collection, in which this piece appears, was groundbreaking, influencing generations of composers and laying the groundwork for what would become the operatic tradition.

French compositions add elegance and refinement to the program. Sébastien Le Camus’s "On n'aime plus dans ces bocages" and Jean-Baptiste de Bousset’s "À l’amour" typify the French Baroque’s graceful treatment of love. Le Camus was a noted viol player and composer for the royal court of Louis XIV, and his airs de cour are marked by a sophisticated balance between text and melody, with a restrained beauty that reflects the French court's preference for refinement over overt emotional display. His work as an accompanist to some of the most powerful figures in France shaped his understanding of the intimate relationship between voice and instrument, and "On n’aime plus dans ces bocages" captures that delicate interplay beautifully. Jean-Baptiste de Bousset, also a composer of secular songs, became known for his settings of popular poetry, making his works accessible and beloved by the aristocracy and bourgeoisie alike. His songs, like "À l’amour," were distributed widely in printed collections, allowing his music to spread far beyond the court, and giving voice to the French public’s own romantic sensibilities.

The program also embraces mythological grandeur and philosophical reflection, both central to the Baroque era’s artistic expression. Marin Marais’s "Les Folies d’Espagne" stands as one of the most famous pieces for viola da gamba, based on the iconic "Folía" theme—a dance tune with Iberian roots that had spread across Europe. Marais, who studied with Jean-Baptiste Lully, rose from humble beginnings as the son of a shoemaker to become one of the most important musicians at the court of Louis XIV. His "Les Folies d’Espagne," published in his "Pièces de viole," is notable for its inventive variations on the folía theme, which was a favourite among European composers for its rhythmic energy and harmonic possibilities. Marais’s intimate understanding of the viola da gamba allowed him to explore the instrument’s full expressive range, from the virtuosic to the lyrical, showcasing both the technical brilliance and emotional depth that made him a favourite of the Sun King. His life as a court musician allowed him to develop close relationships with fellow artists, and his collaborations shaped not only his music but also the French Baroque style as a whole.

Similarly, Robert de Visée, a guitarist, lutenist, and composer at the court of Louis XIV, left his mark on the development of instrumental music for plucked strings. His “Chaconne” is a beautiful example of the French Baroque style, marked by its formal elegance and rhythmic vitality. De Visée was known for performing in the intimate royal chambers for the king himself, often serenading Louis XIV during his private moments. His ability to blend the guitar’s rhythmic dance-like qualities with lyrical beauty helped solidify the instrument’s role in French music. De Visée was also a noted theorbo player, and his compositions for both instruments reflect a deep understanding of how to exploit their unique sounds, elevating the guitar and theorbo from accompaniment instruments to concert-level prominence.

The Italian composer Bellerofonte Castaldi, whose "Chi vidde più lieto" is part of the program, lived a particularly adventurous life, known for his poetry, music, and frequent duels! Castaldi was one of the first composers to write extensively for the theorbo, an instrument that had only recently become popular. His piece reflects his daring, innovative spirit, marked by bold harmonies and expressive melodies. Castaldi was also an accomplished lutenist and was as much a performer as a composer. His music is full of striking contrasts, indicative of his personality and his view that music should be as dynamic and adventurous as life itself.

Another Italian, Carlo Milanuzzi, is represented with "Non voglio amare." Milanuzzi was a priest as well as a composer, and much of his output was sacred music. However, his madrigals and secular arias, like "Non voglio amare," are lively and playful, offering a lighter, more humorous take on love compared to the more serious treatments seen elsewhere in the program. Milanuzzi’s music is full of catchy rhythms and witty text settings, making it a delightful contrast to some of the more formal or emotionally charged works of the period.

Ensemble Faenza’s performance allows these historical figures to come alive through music, providing both an emotional and intellectual experience for listeners. The contrasting approaches to love, philosophy, and mythology, paired with the composers' varied cultural backgrounds, highlight the Baroque period’s capacity to blend emotion with formal innovation. In doing so, the program offers a profound journey through one of the richest eras in Western music history.

 

About the Artists

Marco Hovath: vocals, guitar, theorbo

Marco Hovath is a versatile musician, mastering a range of instruments including vocals, theorbo, guitar, lirone, vielle, and citole. His unique approach to early music sets him apart from the conventional path. After spending four years studying Southern Indian music with singer Aruna Sairam, Marco pursued Medieval and Renaissance music at the Schola Cantorum in Basel under Dominique Vellard and Bob Crawford Young. He later joined prestigious ensembles like Gilles Binchois, Alla Francesca, La Simphonie du Marais, XVIII-21, and Le Poème Harmonique, among others.

As a pioneer in self-accompanied singing, Marco is one of the few musicians reviving this historical practice, which he believes is essential for capturing the essence of certain 17th-century music. In 1996, he founded Ensemble Faenza, bringing together like-minded artists who excel in this tradition.

Ensemble Faenza focuses on creating intimate musical experiences, redefining how music originally meant for smaller settings is performed. The group thrives in both traditional early music concerts and more innovative, staged performances.

Based in the Grand Est region of France, Faenza performs in both rural areas and prestigious international festivals, including the Cité de la Musique, Festival d'Ambronay, Oude Muziek Utrecht, and the MusikfestSpiele in Potsdam, among many others. Ensemble Faenza is supported by the Région Grand Est and the French Ministry of Culture.

 

Olga Pitarch: vocals, castanets

Born in Castellón, Spain, Olga completed her musical studies at the Conservatorio Superior de Música de Valencia, graduating in Piano and Voice, and continued her training at the Musikhochschule in Vienna. She has participated in master classes with Helmut Lips, Charles Brett, Helena Lazarska, and Margreet Honig, winning several competitions, including Jeunesses Musicales (1991) and the Lied and Oratorio Competition "J. Massià" (1993).

Olga has performed with various ensembles, including Al Ayre Español, Orquesta Barroca de Sevilla, and Les Arts Florissants. Her concert appearances have taken her to prestigious festivals across Europe and beyond, such as Ambronay, Royaumont, Aix-en-Provence, and the Bach Festival in Riga.

Her notable performances with Les Arts Florissants include roles in Monteverdi's Il ritorno d'Ulysse in patria (Minerva), Handel's Acis et Galatée (Damon), and Charpentier's La descente d'Orphée aux enfers (Proserpine), in venues such as Paris, Vienna, London, New York, and Buenos Aires.

Olga has also appeared in numerous opera productions, including The Fairy Queen and Dido and Aeneas by Purcell, Monteverdi's Orfeo and Le couronnement de Poppée, and Handel's Orlando. She has sung on major stages like Teatro Real in Madrid, Théâtre des Champs-Élysées in Paris, and the Concertgebouw in Amsterdam, under the baton of renowned conductors such as Christophe Rousset and William Christie.

Her recordings include Ifigenia in Aulide by Martín y Soler, Orlando by Porpora, and Il ritorno d'Ulysse in patria with Les Arts Florissants. She has also made live recordings for Radio France, ORF, and the BBC, and appeared on Mezzo TV.

In contemporary music, Olga has collaborated with Les Jeunes Solistes and composers like Peter Eötvös and Luca Nono, performing at the Festival de Saint-Denis. She has also worked with the Compagnie de Théâtre Toujours après minuit on various productions.

In oratorio, she has performed Handel's Messiah, Mozart's Messe en ut mineur, and Orff's Carmina Burana. She regularly gives recitals, both with piano and in collaborations on 17th-century music with theorbo and baroque guitar.

 

Francisco Mañalich: vocals, bass viol, guitar

Born in Santiago de Chile, Francisco Mañalich studied musicology at the Catholic University of Chile and trained as a singer under tenor R. del Pozo. In 2009, he was awarded the Prix d'Interprétation en Chant Lyrique with distinction. He also studied viola da gamba with J. M. Quintana and N. Ben David before earning a master's degree at the CNSMDP under Christophe Coin.

Francisco specializes in a variety of vocal repertoires, with a particular focus on Baroque music. His passion for early music led him to study the medieval and Renaissance styles through the Master Pro program at the Sorbonne. He continues to refine his vocal technique with Anna Maria Panzarella.

As a singer and violist, Francisco collaborates with several renowned ensembles, including La Révérence (C. Coin), La Fenice (J. Tubery), Le Parlement de Musique (M. Gester), Correspondances (S. Daucé), Faenza (M. Horvat), and Séquentia (B. Bagby).

His recordings include projects with Il Festino on the Musica Fictales label and Sonates du Rosaire by Biber with Hélène Schmitt (Aeolus). Since 2012, Francisco has been part of the acclaimed production of Molière's Le Bourgeois Gentilhomme (D. Podalydès - C. Coin), performing as both singer and violist, and also accompanying himself on guitar. This production has achieved international success with over 100 performances and a DVD release on the Alpha label.

Francisco performed in Cimarosa's Italiana a Londra with the Parlement de Musique's lyric workshop, and he sang the roles of Ferrando in Così fan tutte in Lyon and Idamante in Idomeneo in Nanterre. As an instrumentalist, Francisco has a particular interest in self-accompaniment, using instruments such as the viola da gamba, arpeggione, and guitar across various musical styles.

Ensemble Faenza

SAMEDI 19 OCTOBRE 2024

19h30

18,00 $ - 42,00 $/PLACES ASSISES

BILLETS ÉLECTRONIQUES

STAGE AT ST. ANDREWS • 6036 COBURG RD

K’JIPUKTUK/HALIFAX - MI’KMA’KI/NOUVELLE-ÉCOSSE

ACCESSIBLE EN FAUTEUIL ROULANT

SÉRIE DE CONCERTS SUR LA SCÈNE PRINCIPALE

À propos de ce concert

ARTISTES : Olga Pitarch : chant, castagnettes ; Marco Horvat : chant, guitare, théorbe ; Francisco Mañalich : chant, basse de viole, guitare

COMPOSITEURS : Baxel, Bousset, Caccini, Campion, Campra, Castaldi, De Visée, Hume, La Fontaine, Le Camus, Marais, Milanuzzi, Monteverdi, et Purcell

Les interprétations de l'Ensemble Faenza ouvrent une fenêtre sur une autre époque, sans jamais donner l'impression d'être distantes. Leur remarquable capacité à faire en sorte que la musique ancienne trouve un écho profond auprès du public moderne est véritablement captivante. Avec son programme enchanteur « Des Lyres à trois », cet ensemble français rend hommage à l'art ancien de l'auto-accompagnement, mêlant les riches sonorités des cordes et d'autres instruments d'époque à des inflexions vocales expressives, où la poésie et la musique s'entremêlent harmonieusement. Voyagez à travers l'Europe musicale, de la France à l'Italie, en passant par l'Angleterre et l'Espagne, et faites l'expérience de la beauté intemporelle de cette tradition avec ces maîtres musiciens spécialisés dans la musique de la Renaissance et du Baroque. Une coprésentation avec l'Alliance Française Halifax et l'Alliance Française Toronto. Commanditaire de la saison : Jules Chamberlain / Red Door Realty.

Cette représentation est rendue possible grâce au soutien généreux de Laura Jantek.

Programme de l'Ensemble Faenza

El Baxel
Anonyme

For Love
Henry Purcell (1659 – 1695)

La chanson du soldat
Tobias Hume (v. 1579 – 1645)

She Loves
Henry Purcell (1659 – 1695)

Quand Corinna chante à son luth
Thomas Campion (1567 – 1620)

Julia, Julia
Henry Purcell (1659 – 1695)

Here the Deities Approve
Henry Purcell (1659 – 1695)

Viens, ma lyre
André Campra (1660 – 1744)

On n'aime plus dans ces bocages
Sébastien Le Camus (v. 1610 – 1677)

Chaconne
Robert de Visée (v. 1655 – 1732/33)

À l'amour
Jean-Baptiste de Bousset (1662 – 1725)

La Folie et l'Amour
Jean de La Fontaine (1621 – 1695)

Les Folies d'Espagne
Marin Marais (1656 – 1728)

Apollon, c'est toi que j'implore
François Campion (1686 – 1747)

Torna, deh torna
Giulio Caccini (1551 – 1618)

Chi vidde più lieto
Bellerofonte Castaldi (1580 – 1649)

Non voglio amare
Carlo Milanuzzi (v. 1590 – après 1647)

Pur ti miro (de L'incoronazione di Poppea)
Claudio Monteverdi (1567 – 1643)

 

À propos du programme

Ce magnifique programme du célèbre Ensemble français Faenza propose une exploration réfléchie et immersive de la musique ancienne, et se concentre sur les développements stylistiques contrastés entre la France, l'Italie et l'Angleterre au XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle. Le programme présente une collection variée d'œuvres vocales et instrumentales, traduisant l'intensité émotionnelle, la complexité et l'innovation formelle qui ont défini cette période transformatrice de l'histoire de la musique. En présentant la présentation de compositions de Henry Purcell, Giulio Caccini, Marin Marais, Sébastien Le Camus et Robert de Visée, l'Ensemble Faenza révèle l'interaction complexe entre la musique, le texte et l'émotion qui se trouve au cœur de l'esthétique baroque. Leur approche historique permet de saisir l'équilibre délicat entre l'ornementation et la retenue, caractéristique du baroque, tout en soulignant le lien profond de cette époque à la théâtralité, la narration et les échanges culturels.

L'exploration des multiples facettes de l'amour, motif dominant de l'art baroque, est le thème central du programme. Du baroque anglais de Henry Purcell, dont les œuvres « For Love » et « La chanson du soldat » témoignent de son extraordinaire capacité à marier une mélodie expressive à un texte poignant, au lyrisme italien de Giulio Caccini, « Torna, deh torna », qui traduit la profondeur émotionnelle de la nostalgie, la musique offre une représentation vivante des passions humaines. Purcell a débuté sa carrière en tant que choriste à la Chapel Royal, ce qui l'a conduit à devenir l'un des compositeurs les plus vénérés d'Angleterre. Sa pratique a été marquée par son talent pour la composition axée sur le texte, un art qu'il a perfectionné en écrivant de la musique de scène pour le théâtre londonien. Il est intéressant de noter que Purcell composait directement à l'orgue ou au clavecin, conférant à sa musique un lien immédiat avec les traditions instrumentales de l'époque tout en soulignant l'émotivité du texte. Son héritage est un mélange d'influences anglaises, françaises et italiennes, et sa capacité à créer une musique en écho avec l'expérience humaine est inégalée.

Giulio Caccini, en revanche, a joué un rôle de pionnier dans la naissance de l'opéra et le développement du style monodique, ce qui constituait une rupture révolutionnaire par rapport à la polyphonie complexe de la Renaissance. Caccini était membre de la Camerata florentine, un groupe de poètes, d'érudits et de musiciens désireux de raviver le pouvoir expressif de la musique grecque antique. Il composait en vue d’établir un lien clair et aussi émotionnel que possible entre le texte et la musique, estimant que la mélodie devait être au service des mots. Son « Torna, deh torna » reflète cet état d'esprit, où la voix est placée au premier plan et porte l'émotion, tandis que l'accompagnement instrumental reste simple et en soutien. Le recueil « Le Nuove Musiche » de Caccini, dans lequel figure cette pièce, était pionnier et il a influencé des générations de compositeurs en jetant les bases de ce qui allait devenir l'opéra.

Les compositions françaises ajoutent de l'élégance et du raffinement au programme. «  On n'aime plus dans ces bocages » de Sébastien Le Camus et « À l'amour » de Jean-Baptiste de Bousset illustrent le traitement gracieux du sentiment amoureux dans le baroque français. Le Camus était joueur de viole et compositeur réputé de la cour de Louis XIV. Ses airs sont marqués par un équilibre sophistiqué entre le texte et la mélodie, par une beauté retenue qui reflète la préférence de la cour française pour le raffinement plutôt que pour l'étalage d'émotions. Son travail d'accompagnateur auprès de certains des personnages les plus puissants de France a façonné sa compréhension de la relation intime entre la voix et l'instrument, et « On n'aime plus dans ces bocages » rend magnifiquement compte de cette interaction délicate. Jean-Baptiste de Bousset, également compositeur de chansons profanes, s'est fait connaître pour ses mises en musique de poèmes populaires, rendant ses œuvres accessibles et appréciées tant par l'aristocratie que par la bourgeoisie. Ses chansons, comme « À l'amour », ont été largement diffusées dans des recueils imprimés, ce qui a permis à sa musique de se répandre bien au-delà de la cour et de donner une voix aux sentiments du public français.

Le programme fait également la part belle à la grandeur mythologique et à la réflexion philosophique, toutes deux au cœur de l'expression artistique de l'ère baroque. « Les Folies d'Espagne » de Marin Marais est l'une des plus célèbres pièces pour viole de gambe, basée sur le thème emblématique de la « Folía », un air de danse d'origine ibérique qui s'est répandu dans toute l'Europe. Marais, qui a étudié avec Jean-Baptiste Lully, a connu des débuts modestes en tant que fils de cordonnier et est devenu l'un des musiciens les plus importants de la cour de Louis XIV. Ses « Folies d'Espagne », publiées dans ses « Pièces de viole », sont remarquables pour leurs variations inventives sur le thème de la folia, qui était très apprécié des compositeurs européens pour son énergie rythmique et ses possibilités harmoniques. La connaissance intime qu'avait Marais de la viole de gambe lui a permis d'explorer toute la gamme expressive de l'instrument, de la virtuosité au lyrisme, mettant en évidence à la fois le brio technique et la profondeur émotionnelle qui ont fait de lui un compositeur de premier choix.

De même, Robert de Visée, guitariste, luthiste et compositeur à la cour de Louis XIV, a marqué de son empreinte le développement de la musique instrumentale pour cordes pincées. Sa « Chaconne » est un bel exemple du style baroque français, marqué par son élégance formelle et sa vitalité rythmique. De Visée était connu pour se produire dans l'intimité des chambres royales, jouant souvent la sérénade à Louis XIV pendant ses moments d'intimité. Son habileté à marier les qualités rythmiques et dansantes de la guitare à la beauté lyrique a contribué à consolider le rôle de l'instrument dans la musique française. De Visée était également un joueur de théorbe réputé, et ses compositions pour les deux instruments reflètent une profonde compréhension de la façon d'exploiter leurs sons uniques, élevant la guitare et le théorbe du statut d'instruments d'accompagnement à celui d'instruments de concert par excellence.

Le compositeur italien Bellerofonte Castaldi, dont le « Chi vidde più lieto » fait partie du programme. Il a vécu une vie particulièrement aventureuse, et était connu pour sa poésie, sa musique et ses fréquents duels ! Castaldi a été l'un des premiers compositeurs à écrire abondamment pour le théorbe, un instrument alors nouvellement populaire. Son œuvre reflète son esprit audacieux et novateur, marqué par des harmonies originales et des mélodies expressives. Castaldi était également luthiste accompli, autant interprète que compositeur. Sa musique est pleine de contrastes frappants, révélateurs de sa personnalité et de son idée selon laquelle la musique doit être aussi dynamique et aventureuse que la vie elle-même.

Un autre Italien, Carlo Milanuzzi, est représenté avec « Non voglio amare ». Prêtre et compositeur, une grande partie de sa production était de la musique sacrée. Cependant, ses madrigaux et ses arias profanes, comme « Non voglio amare », sont vifs et enjoués. Ils offrent une vision plus légère et humoristique de l'amour, comparée aux traitements plus sérieux que l'on trouve ailleurs dans le programme. La musique de Milanuzzi se caractérise par des rythmes entraînants et des textes pleins d'esprit, un contraste charmant avec certaines des œuvres plus formelles ou plus chargées d'émotions de l'époque.

L'interprétation de l'Ensemble Faenza permet à ces figures historiques de prendre vie à travers la musique, offrant aux auditeurs une expérience intellectuelle riche en émotions. Les approches contrastées de l'amour, de la philosophie et de la mythologie, associées aux origines culturelles variées des compositeurs, mettent en lumière l’aisance de la période baroque à mêler émotions et innovations formelles. Ce programme offre ainsi un voyage trépidant à travers l'une des époques les plus riches de l'histoire de la musique occidentale.

 

À propos des artistes

Marco Hovath : chant, guitare, théorbe

Marco Hovath est un musicien polyvalent, qui maîtrise toute une série d'instruments, dont le chant, le théorbe, la guitare, le lirone, la vielle et la citole. Son approche unique de la musique ancienne le distingue de la voie conventionnelle. Après avoir passé quatre ans à étudier la musique de l'Inde du Sud avec la chanteuse Aruna Sairam, Marco a étudié la musique médiévale et de la Renaissance à la Schola Cantorum de Bâle, sous la direction de Dominique Vellard et de Bob Crawford Young. Il a ensuite rejoint des ensembles prestigieux tels que Gilles Binchois, Alla Francesca, La Simphonie du Marais, XVIII-21 et Le Poème Harmonique, entre autres.

Pionnier du chant auto-accompagné, Marco est l'un des rares musiciens à faire revivre cette pratique historique, qu'il juge essentielle pour capturer l'essence de certaines musiques du XVIIe siècle. En 1996, il a fondé l'Ensemble Faenza, qui réunit des artistes partageant les mêmes idées et excellant dans cette tradition

L'Ensemble Faenza se concentre sur la création d'expériences musicales intimes, en redéfinissant la manière dont la musique, à l'origine destinée à des environnements plus restreints, est jouée. L'ensemble s'épanouit aussi bien lors de concerts traditionnels de musique ancienne que de représentations plus novatrices et mises en scène.

Basé dans la région française du Grand Est, l'Ensemble Faenza se produit aussi bien en milieu rural que dans des festivals internationaux prestigieux, tels que la Cité de la Musique, le Festival d'Ambronay, Oude Muziek Utrecht, et le MusikfestSpiele de Potsdam... L'Ensemble Faenza est soutenu par la Région Grand Est et le Ministère français de la Culture.

 

Olga Pitarch : chant, castagnettes

Née à Castellón, en Espagne, Olga a suivi des études musicales au Conservatorio Superior de Música de Valencia, où elle a été diplômée en piano et en chant. Elle a ensuite poursuivi sa formation à la Musikhochschule de Vienne. Elle a participé à des classes de maître avec Helmut Lips, Charles Brett, Helena Lazarska et Margreet Honig, et a remporté plusieurs concours, notamment les Jeunesses musicales (1991) et le concours de lied et d'oratorio « J. Massià » (1993).

Olga s'est produite avec divers ensembles, dont Al Ayre Español, Orquesta Barroca de Sevilla et Les Arts Florissants. Ses concerts l'ont amenée à jouer lors de festivals prestigieux en Europe et au-delà, tels qu'Ambronay, Royaumont, Aix-en-Provence et le Festival Bach de Riga.

Avec Les Arts Florissants, elle s'est notamment produite à Paris, Vienne, Londres, New York et Buenos Aires dans Il ritorno d'Ulysse in patria (Minerve) de Monteverdi, Acis et Galatée (Damon) de Haendel et La descente d'Orphée aux enfers (Proserpine) de Charpentier.

Olga a également participé à de nombreuses productions d'opéra, notamment The Fairy Queen et Dido and Aeneas de Purcell, Orfeo et Le couronnement de Poppée de Monteverdi, et Orlando de Haendel. Elle a chanté sur de grandes scènes comme le Teatro Real de Madrid, le Théâtre des Champs-Élysées de Paris et le Concertgebouw d'Amsterdam, sous la direction de chefs d'orchestre renommés tels que Christophe Rousset et William Christie.

Elle a notamment enregistré Ifigenia in Aulide de Martín y Soler, Orlando de Porpora et Il ritorno d'Ulysse in patria avec Les Arts Florissants. Elle a également réalisé des enregistrements en direct pour Radio France, l'ORF et la BBC, et a participé à l'émission Mezzo TV.

Dans le domaine de la musique contemporaine, Olga a collaboré avec Les Jeunes Solistes et des compositeurs tels que Peter Eötvös et Luca Nono, se produisant au Festival de Saint-Denis. Elle a également travaillé avec la Compagnie de Théâtre Toujours après minuit sur diverses productions.

En oratorio, elle a interprété le Messie de Haendel, la Messe en ut mineur de Mozart et Carmina Burana d'Orff. Elle donne régulièrement des récitals, tant au piano que dans des collaborations de musique du XVIIe siècle avec le théorbe et la guitare baroque.

 

Francisco Mañalich : chant, basse de viole, guitare

Né à Santiago du Chili, Francisco Mañalich a étudié la musicologie à l'Université catholique du Chili et s'est formé au chant auprès du ténor R. del Pozo. En 2009, il a reçu le Prix d'Interprétation en Chant Lyrique avec distinction. Il a également étudié la viole de gambe avec J. M. Quintana et N. Ben David avant d'obtenir un master au CNSMDP auprès de Christophe Coin.

Francisco se spécialise dans divers répertoires vocaux, avec une attention particulière pour la musique baroque. Sa passion pour la musique ancienne l'a amené à étudier les styles médiévaux et de la Renaissance dans le cadre du Master Pro de la Sorbonne. Il continue d'affiner sa technique vocale avec Anna Maria Panzarella.

En tant que chanteur et altiste, Francisco collabore avec plusieurs ensembles renommés, dont La Révérence (C. Coin), La Fenice (J. Tubery), Le Parlement de Musique (M. Gester), Correspondances (S. Daucé), Faenza (M. Horvat) et Séquentia (B. Bagby).

Ses enregistrements comprennent des projets avec Il Festino sur le label Musica Fictales et Sonates du Rosaire de Biber avec Hélène Schmitt (Aeolus). Depuis 2012, Francisco fait partie de la production acclamée du Bourgeois Gentilhomme de Molière (D. Podalydès - C. Coin), jouant à la fois le rôle de chanteur et d'altiste, et s'accompagnant également à la guitare. Cette production a connu un succès international avec plus de 100 représentations et la sortie d'un DVD sur le label Alpha.

Francisco s'est produit dans Italiana a Londra de Cimarosa avec l'atelier lyrique du Parlement de Musique, et il a chanté les rôles de Ferrando dans Così fan tutte à Lyon et Idamante dans Idomeneo à Nanterre. Instrumentiste, Francisco s'intéresse particulièrement à l'auto-accompagnement. Il s’accompagne aussi bien à la viole de gambe, qu’à l'arpeggione sans oublier la guitare, et ce dans différents styles musicaux.