About this Program

 

Antonin Dvorak (1841-1904)

Terzetto in C major, Op. 74            

i. Introduzioni: Allegro ma non troppo
ii. Larghetto
iii. Scherzo : Vivace – Trio: Poco meno mosso
iv. Tema con Variazioni

Antonin Dvorak was what might be called a late bloomer. The first public performances of his works took place in Prague in 1872. Dvorak was thirty-one.  He was born near Prague to a middle-class family.  He learned to play violin, organ and piano while at school and showed enough talent to play in church and in the village band.  When he announced that he wished to become a musician, his father agreed on the condition that he focus on liturgical music and the organ so that he could make a secure living playing in churches. So he enrolled in the Prague Organ School, taking lessons in singing, organ, music theory and composition.  He graduated in 1859 at the top of his class, but when no church positions materialized, he joined a local band that played in restaurants, at balls and for theatre productions. He supplemented his meagre earnings by teaching piano lessons. That was the extent of his career for more than a decade.  His break came when, in 1874, he applied for The Austrian State Prize for composers. His application included fifteen compositions, including symphonies, all of them unpublished. One of the jurors was Johannes Brahms.  Brahms was impressed and recommended Dvorak to his publisher. When Dvorak’s Slavonic Dances were published in 1878, his international reputation was made. He not only gained fame in Europe, but he was a major musical force in both England and America. Most of his best-known works were written when he was in his forties and fifties.

Dvorak composed his four-movement Terzetto in C major for two violins and viola over the space of a week in January of 1887. It was originally a salon piece which Dvorak (playing viola) was to perform with a close friend and one of his students. It is clearly in the Romantic tradition of Beethoven, Schumann and Brahms, but it has a depth, complexity and virtuosity beyond mere salon music.

 

Sergei Prokofiev (1891-1953)

Sonata for Two Violins

i. Andante cantabile
ii. Allegro
iii. Commodo (quasi allegretto)
iv. Allegro con brio

Sergei Prokofiev was born on a rural estate near Donetsk in the Ukraine where his father, originally from Moscow, was employed as a soil engineer. He was inspired by listening to his mother, a talented amateur musician, practice piano in the evenings. She taught him piano and notated his first composition, a dance when he was a five-year-old. He wrote his first opera, The Giant, when he was nine. While he composed in a wide variety of genres, ballet and opera were his favourite forms throughout his life.  He studied piano, conducting and composition at the St. Petersburg Conservatory and while his experimentation with dissonance and polytonality did not sit well with some of his more conservative instructors, he began to make a name for himself beyond the Conservatory.  Shortly after graduation, Prokofiev travelled to London where he met Sergei Diaghilev, the head of the internationally acclaimed Ballet Russes.  Diaghilev commissioned him to write a ballet score and his career as a successful composer was underway.  In 1918, he left Russia for America, where he received a commission from Chicago Opera. Unfortunately, the death of the music director there delayed the production and Prokofiev, in financial difficulties, left for Paris where he renewed his association with Diaghilev and the Ballet Russes as well as gained recognition for numerous other compositions.  Throughout the 1920s, he travelled extensively throughout Europe, America and the Soviet Union. He finally settled in Moscow in 1936.

Prokofiev composed the Sonata for Two Violins in 1932 while vacationing on the French Riviera. It was commissioned by Triton, a Paris concert society dedicated to new music.  The piece follows the Baroque pattern of slow-fast-slow-fast movements and moves back and forth from song (slow movements) to dance (fast movements).  The slow movements are quiet and restrained, while the fast movements are somewhat raucous with a more rustic feel. Within the “apparent limitations” of a violin duet, Prokofiev admirably succeeds in writing compelling and diverse music.

 

George Frideric Handel (1685–1759)
Johan Halvorsen (1864-1935)

Passacaglia arranged for two violins

Johan Halvorsen was a celebrated Norwegian violinist, composer and conductor.  He received his musical education in Kristiania (now Oslo) and Stockholm before launching a career that saw him performing in Helsinki, Leipzig, Berlin, St. Petersburg and Liege.  He was concertmaster with orchestras in Aberdeen and Bergen, settling back in Norway to become conductor of the Bergen Philharmonic in 1893. Six years later he was appointed conductor of the orchestra at the newly opened National Theatre in Kristiania, a position he held for thirty years. At the National Theatre, he conducted over thirty operas and composed incidental music for thirty plays.  However, he is best known today for his arrangement of the Passacaglia based on the finale movement from the Harpsichord Suite in G minor (HWV 432) by George Frederic Handel.

The Passacaglia with its dual attribution to Handel and Halvorsen was composed for violin and cello (or violin and viola) and published in 1894.  Handel composed numerous harpsichord suites comprising dance movements, sometimes concluding with the traditional Baroque passacaglia, a term originally designating a Spanish "street dance" though the earliest extant examples are Italian.  Halvorsen’s re-imagining of Handel’s "theme" generates a series of thrilling variations in a tour de force of musical invention. The result is a scintillating dialogue for two master players frequently expanding to four and five simultaneous parts.

 

Georg Philipp Telemann (1681-1767)

Concerto for 4 Violins, TWV 40:201

i. Adagio
ii. Allegro
iii. Grave
iv. Allegro

Georg Philipp Telemann’s life overlapped that of Johann Sebastian Bach.  He was born four years before Bach and he survived him by seventeen years, living to the age of 86.  He was considered by his contemporaries to be one of the outstanding composers of his era, along with Bach (he was godfather to Bach’s son, Carl Philipp Emmanuel) and George Frederic Handel, whom he also knew.  He was at the centre of German musical life, and was widely known throughout Europe; orders for editions of his music came from France, Italy, the Netherlands, Scandinavian countries, Belgium, Switzerland and Spain.  He was extremely prolific, with over three thousand compositions, many of which are now lost, and most of which have not been performed since the 18^th century. While much of his output was liturgical music composed for the services in the churches which employed him over the bulk of his career, there is hardly a musical genre of his time that he did not explore.

Some of Telemann’s music, like the Concerto for Four Violins, was meant not for church or concert performances, but for social music-making. Telemann composed a set of four concertos for four violins around 1720. The functional purpose of the set was to provide a collection of pieces for four capable violinists to perform when a keyboard or orchestra might not be present, a condition not unheard of in modern times and perhaps more likely to be encountered in the 18th century. There are four brief movements following the standard Baroque pattern. The opening Largo tends towards lyricism; the second is an intricate fugue; and the third, a short Adagio interlude, leads to the finale, a sprightly, rustic dance, ending the concerto on a bright, sunny note.

 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Selected arias from The Magic Flute (arr. Anon)

In The Joy of Opera, English tenor Nigel Douglas recalls hearing a fellow student at his school sing an aria from The Magic Flute in a vocal competition.  He asked what the music was and when told, he went straight to a nearby record shop to buy a recording of what he called “one of the most sublime pieces of music ever written”. The experience set the stage for Douglas’ thirty-year career as an operatic tenor.  Wolfgang Amadeus Mozart composed more than two dozen operas, a half dozen of which are still regularly performed by opera companies around the world.  The Magic Flute, his last opera, has been a resounding success ever since its premiere in September of 1791.

The music, while unmistakably classical, shows a wonderful variety. The rustic bird seller, Papageno has folksong-like arias built of simple melodies, while Sarastro’s music is deep, stately and almost hymn-like. The hero Tamino and the heroine Pamina have lyrical and romantic music that anticipates the Italian bel canto era. The Queen of the Night’s aria, which Mozart wrote for his sister-in-law who had a stratospheric range, has been a show stopper for over 225 years. The music has also been a staple of the concert stage with piano arrangements (both two and four hands), full orchestra, a variety of string combinations and, oh yes, for flute.

 

Grazyna Bacewicz (1909-1969)

Quartet for 4 Violins (1949)

i. Moderato
ii. Andante
iii. Vivo

“The first lady of Polish music”, Grazyna Bacewicz was born in Lodz in 1909 to a close-knit and musical family. As a child, she showed a talent for the violin and was encouraged to study music, often playing chamber music with her father and her two older brothers.  By the time she was twelve, she was well on the way to fulfilling her childhood proclamation that she would be a composer. She studied violin, piano and composition at the Warsaw Conservatory, and after graduation in 1932, she studied composition with Nadia Boulanger in Paris.  She toured France and Spain as a violinist before returning to Poland in 1936, where she joined the newly formed Polish Radio Orchestra as concertmaster.  This allowed her to have many of her own compositions performed.  However, the Second World War intervened. She and her family moved to Lublin where she continued to perform, often premiering her compositions in coffee houses or salons with her brother, Kiejstut at the piano.  After the war, the family returned to a devastated Warsaw. She resumed her career as a concert violinist, based in Poland but touring throughout Europe. A serious automobile accident in the fall of 1954 led her to cut back on her performing, but she compensated by increasing her focus on composition. Before her premature death from a heart attack at the age of fifty-nine, she had completed over two hundred works, making her one of the most prolific female composers in musical history.

Bacewicz composed the Quartet for 4 Violins in 1949, at a time when Polish music was expected to conform to principles of “social realism”, which meant writing music that would celebrate the struggles and triumphs of the working class, and have its basis in national folk tunes.  Bacewicz uses the neoclassical three-movement structure (Allegretto – Andante tranquillo – Molto allegro), incorporating lyricism and dance-like intervals, yet still creates a soundscape that is distinctly modern.

 

Camille Saint-Saens (1835-1921)

Dance Macabre (arr. Girtain)

Camille Saint-Saens was born in Paris. His father died when he was two months old and he was raised by his mother and her widowed aunt, who taught young Camille piano and recognized his precocious talent.  He made his concert debut at the age of ten, and at thirteen, he began his studies at the Paris Conservatoire where, in 1851, he won top prize for organ performance. Upon graduation in 1853, Saint-Saens began a twenty-five-year career as an organist, first at Saint-Merri, a large church in central Paris, and later at La Madeleine, the official “church of the Empire”. His stipend, plus organist fees from over 200 weddings and funerals a year, gave him a comfortable living.  Franz Liszt, who heard him play at La Madeleine, declared him the greatest organist in the world. But Saint-Saens also found time to compose.  He produced symphonies, keyboard music for both piano and organ, concertos for a variety of instruments, operas and symphonic poems, the most popular of which is Dance Macabre.

Dance Macabre began life as a setting of a poem by French poet, Henri Cazalis in 1872, but that version seems to have died on the drawing board.. An orchestral version was completed in 1874 and premiered in 1875.  It is a programmatic piece, set in a cemetery on Halloween. At midnight, Death summons the dead from their graves to dance for him as he plays the fiddle. The skeletons dance energetically until, near the end, a cock crows signalling the approach of dawn and they must return to their graves until next Halloween.

Program notes by Larry Bent

About the Artists

 

Diana Cohen, violin and viola
Concertmaster of the Calgary Philharmonic Orchestra

Praised for her “incredible flair, maturity and insight,” violinist Diana Cohen leads a multi-faceted career as a concertmaster, chamber musician, soloist, and arts administrator. Appointed concertmaster of the Calgary Philharmonic Orchestra in 2012, she previously served as concertmaster of the Richmond Symphony Orchestra and Kalamazoo Symphony Orchestra while maintaining an active freelance career in New York City. She has held the same position with Charleston Symphony (with which she performed numerous works as soloist), The National Repertory Orchestra, Iris Orchestra and Red {an orchestra}, and has been guest concertmaster with the Rochester Philharmonic and the Phoenix Symphony.

Cohen has performed regularly in concerts in New York and across the globe with the Grammy-winning Orpheus Chamber Orchestra, The International Sejong Soloists, The Knights, and as a substitute at the New York Philharmonic and The Cleveland Orchestra. She has also appeared as a soloist with the Rochester Philharmonic, National Repertory Orchestra, Kalamazoo Symphony, Valdosta Symphony, Hilton Head Symphony and Red {an orchestra}. She was concertmaster of the Cleveland Institute of Music Orchestra, principal second of the New York String Orchestra at Carnegie Hall, and has been rotating principal of the Iris Orchestra since its inception. Cohen’s solo recital on the Dame Myra Hess Series was heard live on Chicago public radio.

As a founding member of the piano trio Trio Terzetto, Cohen has toured and recorded in cities across the United States and Canada. Trio Terzetto has been presented on chamber music series in cities including New York, Cleveland, Ann Arbor, Memphis, Charleston, Lansing, Detroit, Augusta, Charlotte, South Bend, and Asheville. They recently made their solo debut with the Lansing Symphony, performing Beethoven’s “Triple Concerto.” Trio Terzetto is committed to outreach, and often organizes these projects around their performances.

A passionate chamber musician, Cohen has performed at the Marlboro Music Festival, The Steans Institute at the Ravinia Festival, The Chamber Music Festival of Giverny, France, The Perlman Chamber Music Program, Aspen and Piccolo Spoleto as well as festivals in Maui, Dresden, Bennington, Saugatuck, Martha’s Vineyard and Gretna. She has also been a participant in The American String Project. Cohen has appeared in chamber concerts with members of the Cleveland Orchestra at Severance Hall and has performed on faculty concerts at the Cleveland Institute of Music.  Cohen has regularly collaborated with members of the Guarneri, Juilliard, Cleveland, Miro and Parker Quartets, as well as with renowned artists including Mitsuko Uchida, Kim Kashkashian, Garrick Ohlsson and many others. She has also played regularly with her family; Cleveland Orchestra principal clarinetist Franklin Cohen, Alexander Cohen, principal timpanist of the Calgary Philharmonic, and her late mother, bassoonist Lynette Diers Cohen. Works have been commissioned for the Cohen family quartet. Cohen and her father released a CD of Osvoldo Golijov’s “Dreams and Prayers of Isaac the Blind” for clarinet and string quartet.

Cohen is Executive and Co-Artistic Director of ChamberFest Cleveland (chamberfestcleveland.com), which features the world’s most sought-after chamber musicians, and has partnered with several of the most esteemed organizations in Cleveland.

Cohen is an honors graduate of the Cleveland Institute of Music where she was the recipient of the 2000 Jerome Gross Prize in violin and a winner of the Darius Milhaud competition. Her principal teachers were Donald Weilerstein, William Preucil and Paul Kantor and Joel Smirnoff.

Her solo and chamber performances have been heard on radio stations across the country. Many of her performances from the Marlboro Music Festival have been broadcast on New York’s WQXR. She can also be heard on recordings with the Orpheus Chamber Orchestra.

In addition to her performance career, Cohen is a devoted teacher. Many of her students have won national awards. She has worked extensively in public schools and has served on the preparatory chamber music faculty of the Cleveland Institute of Music.

Diana Cohen has a multifaceted career as a concertmaster, chamber musician and soloist. She is Concertmaster of the Calgary Philharmonic, and founder and Artistic Director of acclaimed music festival ChamberFest Cleveland. As soloist, she has appeared with numerous orchestras, including Holland Symphony, Rochester Symphony, Lansing, and Grand Rapids, among others. As a chamber musician, she has performed at some of the most prestigious festivals including Marlboro Music Festival and Ravinia Festival, and collaborated with renowned artists including Garrick Ohlsson, Mitsuko Uchida, Jonathan Biss, and members of the Guarneri, Juilliard, Miro, Cleveland, and Parker Quartets.

Cohen has toured and recorded with the Grammy-winning Orpheus Chamber Orchestra, and performed with the East Coast Chamber Orchestra, Sejong Soloists, The Knights, Cleveland Orchestra, and New York Philharmonic.

Cohen lives in Calgary with her husband and daughter, Noa Lynette, who loves being danced to music. As a result of the pandemic, Cohen and her husband created a lauded concert series in their front yard, Garden Concerts YYC, performing weekly concerts to hundreds of music lovers from around Calgary.

 

Jonathan Crow, violin
Concertmaster of the Toronto Symphony Orchestra

Jonathan Crow has been Concertmaster of the Toronto Symphony Orchestra (TSO) since 2011. A native of Prince George, British Columbia, Jonathan earned his Bachelor of Music degree in honours performance from McGill University in 1998, at which time he joined the Orchestre symphonique de Montréal (OSM) as Associate Principal Second Violin. Between 2002 and 2006, Jonathan was the Concertmaster of the OSM; during this time, he was the youngest concertmaster of any major North American orchestra.

Jonathan continues to perform as guest concertmaster with orchestras around the world, including the National Arts Centre Orchestra (NACO), Pittsburgh Symphony, Mahler Chamber Orchestra, Filarmonia de Lanaudiere, and Pernambuco Festival Orchestra (Brazil). Jonathan has also performed as a soloist with most major Canadian orchestras, including the Montreal, Toronto, and Vancouver Symphony Orchestras; the National Arts Centre and Calgary Philharmonic Orchestras; the Victoria, Nova Scotia, and Kingston Symphonies; and Orchestra London, under the baton of such conductors as Charles Dutoit, Sir Yehudi Menuhin, Sir Andrew Davis, Peter Oundjian, Kent Nagano, Mario Bernardi, João Carlos Martins, and Gustavo Gimeno.

Jonathan joined the Schulich School of Music at McGill University as an Assistant Professor of Violin and was appointed Associate Professor of Violin in 2010. His current and former students have received prizes at competitions around the world, including the Menuhin International Violin Competition, OSM Competition, Shean Competition, CBC Radio’s NEXT Competition, Eckhardt-Grammatté Competition, Canadian Music Competition, and Stulberg International String Competition, and work regularly with orchestras such as the NACO, TSO, OSM, Camerata Salzburg, Konzerthausorchester Berlin, Verbier Chamber Orchestra, Vienna Kammerphilharmonie, and Vienna Symphony Orchestra. Jonathan is currently Associate Professor of Violin at the University of Toronto.

In 2016, Jonathan was named Artistic Director of Toronto Summer Music, which enjoyed record attendance and rave reviews in his first three seasons. An avid chamber musician, he has performed at chamber music festivals throughout North America, South America, and Europe, including the Banff, Ravinia, Orford, Domaine Forget, Seattle, Montreal, Ottawa, Incontri in Terra di Sienna, Alpenglow, Festival Vancouver, Pernambuco (Brazil), Giverny (France), and Strings in the Mountains festivals. He is a founding member of the JUNO Award–winning New Orford String Quartet, a project-based ensemble dedicated to the promotion of standard and Canadian string quartet repertoire throughout North America. As an advocate of contemporary music, he has premièred works by Canadian composers Michael Conway Baker, Eldon Rathburn, Barrie Cabena, Gary Kulesha, Tim Brady, François Dompierre, Vivian Fung, Ana Sokolovic, Marjan Mozetich, Christos Hatzis, Ernest MacMillan, and Healey Willan. He also includes in his repertoire major concerti by such modern composers as Ligeti, Schnittke, Bernstein, Brian Cherney, Rodney Sharman, Vivian Fung, and Cameron Wilson.

Jonathan has recorded for the ATMA, Bridge, CBC, Oxingale, Skylark, and XXI-21 labels, and is heard frequently on Chaîne Culturelle of Radio-Canada, CBC Radio Two, and National Public Radio, along with Radio France, Deutsche Welle, Hessischer Rundfunk, and the RAI in Europe.

Jonathan Crow was Musician-in-Residence for Cecilia Concerts from 2020 to 2022.

 

Robert Uchida, violin
Concertmaster of the Edmonton Symphony Orchestra

Canadian violinist Robert Uchida, Concertmaster of the Edmonton Symphony Orchestra, enjoys a varied career as a soloist, orchestral and chamber musician, and educator. His debut recording of Andrew Violette’s Sonata for Unaccompanied Violin won international acclaim, with Strings Magazine praising his “ravishing sound, eloquence and hypnotic intensity.”

Robert has been a soloist with orchestras including the Alberta Baroque Ensemble, Edmonton Symphony, Ottawa Symphony, Red Deer Symphony, Symphony New Brunswick, Symphony Nova Scotia, Orchestre de la Francophonie, and the National Arts Centre Orchestra of Canada. Robert has taught and performed at festivals throughout North America including the Arizona MusicFest, Banff International String Quartet Festival, Jackson Hole Chamber Music, Music by the Sea, National Academy Orchestra, National Arts Centre Young Artists Program, New Brunswick Summer Music Festival, Rosebud Chamber Music Festival, Scotia Festival, Sewanee Music Festival, Summer Solstice Music Festival, and was Artistic Director of the Acadia Summer Strings Festival from 2010-2013.

Before joining the Edmonton Symphony Orchestra, Robert was Concertmaster of Symphony Nova Scotia in Halifax. He performed on a Juno-nominated recording with Sarah Slean, and recorded Requiem 21.5: Violin Concerto by Tim Brady, which won Classical Recording of the Year at the East Coast Music Awards. As a guest concertmaster, he has worked with the Kitchener-Waterloo Symphony, Netherlands Radio Chamber Philharmonic, Ottawa Symphony, Rotterdam Philharmonic, Royal Flemish Philharmonic, and the Vancouver Symphony Orchestra.

A passionate teacher, Robert is a violin instructor at the University of Alberta, and has held teaching positions at Acadia University and the Manhattan School of Music Precollege. His students have continued their studies at the Juilliard School, Manhattan School of Music and Guildhall School in London, have won major international competitions, and perform in ensembles in North America and Europe.

Robert holds a Master’s Degree in Violin Performance from the Manhattan School of Music in New York and a Bachelor’s Degree from the University of Ottawa. His teachers and mentors include Andrew Dawes, Morry Kernerman, Patinka Kopec, Heratch Manoukian, David Stewart, and Pinchas Zukerman.

Robert loves volunteering and is honoured to have been inducted into the Ronald McDonald House’s Character Club in Edmonton. He performs on a 1770 Guadagnini violin with Vision Solo Titanium strings by Thomastik-Infeld Vienna.

 

Andrew Wan, violin
Concertmaster of the Orchestre symphonique de Montréal

Andrew Wan was named concertmaster of the Orchestre symphonique de Montréal (OSM) in 2008. As soloist, he has performed worldwide under conductors such as Rafael Payare, Maxim Vengerov, Vasily Petrenko, Bernard Labadie, Carlo Rizzi, Peter Oundjian, Xian Zhang, Michael Stern and James DePreist, and has appeared in recitals with artists such as the Juilliard Quartet, Vadim Repin, Marc-André Hamelin, Daniil Trifonov, Menahem Pressler, Jörg Widmann, Emanuel Ax, James Ehnes, and Gil Shaham. His discography includes Grammy-nominated and Juno, Felix and Opus award-winning releases on the Onyx, Bridge, and Naxos labels with the Seattle Chamber Music Society, New York’s Metropolis Ensemble, and the New Orford String Quartet. In the fall of 2015, he released a live recording of all three Saint-Saëns violin concerti with the OSM and Kent Nagano under the Analekta label to wide critical acclaim. His recent live album of works for violin and orchestra by Bernstein, Moussa and Ginastera with Nagano and the OSM won a 2021 Juno award for Classical Album of the Year – Large Ensemble.  He enjoys a close collaborative relationship with Charles Richard-Hamelin, with whom he has recorded the entire Beethoven piano and violin sonata cycle. Mr. Wan graduated from The Juilliard School with a Bachelor of Music, Master of Music and Artist Diploma degrees, is currently the Artistic Director of the Prince Edward County Chamber Music Festival and for the 2017-18 season was Artistic Partner of the Edmonton Symphony Orchestra. Associate Professor of Violin at the Schulich School of Music at McGill University, he was the recipient of the Part-Time Teaching Award at the Schulich School in 2019. He has sat as guest concertmaster for the Pittsburgh, Houston, Indianapolis, National Arts Centre, Toronto and Vancouver Symphony orchestras. Andrew Wan is the Cecilia Concerts 2024/25 Musician-in-Residence.

Andrew performs on a 1744 Michel'Angelo Bergonzi violin, and gratefully acknowledges its loan from the David Sela Collection.  He also enjoys the use of an 1860 Dominique Peccatte bow from Canimex.

Concertmasters canadiens

À propos de ce concert

ARTISTES : Andrew Wan, violon ; Robert Uchida, violon, alto ; Diana Cohen, violon ; Jonathan Crow, violon

COMPOSITEURS : Bacewicz, Dvorak, Handel-Halvorsen, Mozart, Prokofiev, Saint-Saëns et Telemann

The Canadian Concertmasters met en vedette quatre des plus grands violonistes symphoniques du Canada - de l'Orchestre symphonique d'Edmonton, de l'Orchestre philharmonique de Calgary, de l'Orchestre symphonique de Montréal et de l'Orchestre symphonique de Toronto. Ces violonistes extraordinaires unissent leur expertise et leur passion dans un programme qui comprend le mélodique « Terzetto en do majeur “ d'Antonín Dvořák, la dynamique ” Sonate pour deux violons “ de Sergei Prokofiev, la virtuose ” Passacaille » de Johan Halvorsen sur un thème de George Frideric Haendel, le complexe « Concerto pour 4 violons » de Georg Philipp Telemann, et des arrangements uniques d'airs sélectionnés de la fantasque « Flûte enchantée » de Wolfgang Amadeus Mozart, de l'intense « Quatuor pour 4 violons » de Grażyna Bacewicz et de la « Danse macabre » de Camille Saint-Saëns. » Présenté avec le soutien généreux de Lang Optometry and Eyewear, partenaire de présentation du musicien en résidence. Commanditaire de la saison : Jules Chamberlain / Red Door Realty.

🎻 ÉVÉNEMENT EN PRIME : Cette soirée commence par une discussion gratuite d'avant-concert avec les quatre premiers violons. Souvent décrit comme le « chef d'orchestre », le violon solo joue un rôle essentiel en façonnant le son de l'ensemble, en comblant le fossé entre le chef d'orchestre et les musiciens et en donnant le ton artistique aux représentations. Au cours de cette discussion animée, ces artistes exceptionnels partageront leurs idées, leurs expériences et les responsabilités uniques de leur rôle, offrant ainsi un rare aperçu du fonctionnement interne d'un orchestre. Ouverte au public et gratuite, cette séance se déroulera avant le concert, à partir de 18 heures, sur la scène de St. Andrew's. Ne manquez pas cette occasion d'approfondir votre compréhension du monde de l'orchestre et d'entrer en contact avec les artistes qui se cachent derrière la musique.

À propos du programme

 

Antonin Dvorak (1841-1904)

Terzetto en do majeur, op. 74

i. Introduzioni : Allegro ma non troppo
ii. Larghetto
iii. Scherzo : Vivace - Trio : Poco meno mosso
iv. Tema con Variazioni

Antonin Dvorak a été ce que l'on pourrait appeler un « enfant tardif ». Les premières exécutions publiques de ses œuvres ont eu lieu à Prague en 1872. Dvorak a alors trente et un ans. Il est né près de Prague dans une famille de la classe moyenne. Il apprend à jouer du violon, de l'orgue et du piano à l'école et fait preuve de suffisamment de talent pour jouer à l'église et dans la fanfare du village. Lorsqu'il a annoncé qu'il souhaitait devenir musicien, son père a accepté à condition qu'il se concentre sur la musique liturgique et l'orgue afin de pouvoir gagner sa vie en jouant dans les églises. Il s'inscrit donc à l'école d'orgue de Prague, où il suit des cours de chant, d'orgue, de théorie musicale et de composition. Il obtient son diplôme en 1859 en étant le premier de sa classe, mais comme aucun poste dans les églises ne se présente, il rejoint un groupe local qui joue dans les restaurants, les bals et les pièces de théâtre. Il complète ses maigres revenus en donnant des leçons de piano. C'est ainsi qu'il mène sa carrière pendant plus d'une décennie. Le déclic se produit lorsqu'en 1874, il pose sa candidature au « Prix de l'État autrichien » destiné aux compositeurs. Sa candidature comprend quinze compositions, dont des symphonies, toutes inédites. L'un des jurés était Johannes Brahms. Brahms est impressionné et recommande Dvorak à son éditeur. Lorsque les « Danses slaves » de Dvorak sont publiées en 1878, sa réputation internationale est faite. Non seulement il est devenu célèbre en Europe, mais il a également été une force musicale majeure en Angleterre et en Amérique. La plupart de ses œuvres les plus connues ont été écrites alors qu'il avait entre quarante et cinquante ans.

Dvorak a composé son « Terzetto en do majeur » en quatre mouvements pour deux violons et alto en l'espace d'une semaine, en janvier 1887. Il s'agissait à l'origine d'une pièce de salon que Dvorak (jouant de l'alto) devait jouer avec un ami proche et l'un de ses élèves. Elle s'inscrit clairement dans la tradition romantique de Beethoven, Schumann et Brahms, mais elle est d'une profondeur, d'une complexité et d'une virtuosité qui dépassent la simple musique de salon.

 

Sergueï Prokofiev (1891-1953)

Sonate pour deux violons

i. Andante cantabile
ii. Allegro
iii. Commodo (quasi allegretto)
iv. Allegro con brio

Sergueï Prokofiev est né dans une propriété rurale près de Donetsk, en Ukraine, où son père, originaire de Moscou, travaillait comme ingénieur des sols. C'est en écoutant sa mère, musicienne amateur de talent, jouer du piano le soir qu'il trouve l'inspiration. Elle lui apprend le piano et note sa première composition, une danse, alors qu'il a cinq ans. Il a écrit son premier opéra, « The Giant », à l'âge de neuf ans. Bien qu'il ait composé dans une grande variété de genres, le ballet et l'opéra ont été ses formes préférées tout au long de sa vie. Il a étudié le piano, la direction d'orchestre et la composition au Conservatoire de Saint-Pétersbourg et, bien que ses expérimentations en matière de dissonance et de polytonalité n'aient pas plu à certains de ses professeurs plus conservateurs, il a commencé à se faire un nom en dehors du Conservatoire. Peu après l'obtention de son diplôme, Prokofiev se rend à Londres où il rencontre Sergei Diaghilev, le chef des « Ballets russes », qui jouissent d'une renommée internationale. Diaghilev lui commande une partition de ballet et sa carrière de compositeur à succès est lancée. En 1918, il quitte la Russie pour l'Amérique, où il reçoit une commande de l'Opéra de Chicago. Malheureusement, le décès du directeur musical retarde la production et Prokofiev, en proie à des difficultés financières, part pour Paris où il renoue avec Diaghilev et les « Ballets russes », tout en se faisant connaître pour de nombreuses autres compositions. Tout au long des années 1920, il a beaucoup voyagé en Europe, en Amérique et en Union soviétique. Il s'installe finalement à Moscou en 1936.

Prokofiev a composé la « Sonate pour deux violons » en 1932 lors de vacances sur la Côte d'Azur. Il s'agit d'une commande du « Triton », une société de concerts parisienne dédiée à la musique nouvelle. L'œuvre suit le schéma baroque des mouvements lents-vifs-lents-vifs et passe du chant (mouvements lents) à la danse (mouvements rapides). Les mouvements lents sont calmes et retenus, tandis que les mouvements rapides sont quelque peu bruyants et plus rustiques. Dans les « limites apparentes » d'un duo de violons, Prokofiev réussit admirablement à écrire une musique convaincante et variée.

 

George Frideric Handel (1685–1759)
Johan Halvorsen (1864-1935)

Passacaglia arrangée pour deux violons

Johan Halvorsen était un célèbre violoniste, compositeur et chef d'orchestre norvégien. Il a reçu une éducation musicale à Kristiania (aujourd'hui Oslo) et à Stockholm avant d'entamer une carrière qui l'a vu se produire à Helsinki, Leipzig, Berlin, Saint-Pétersbourg et Liège. Il a été premier violon des orchestres d'Aberdeen et de Bergen, avant de revenir en Norvège pour devenir chef de l'orchestre philharmonique de Bergen en 1893. Six ans plus tard, il est nommé chef d'orchestre du tout nouveau Théâtre national de Kristiania, poste qu'il occupera pendant trente ans. Au Théâtre national, il a dirigé plus de trente opéras et composé la musique de scène de trente pièces de théâtre. Cependant, il est surtout connu aujourd'hui pour son arrangement de la « Passacaille », basé sur le mouvement final de la « Suite pour clavecin en sol mineur (HWV 432) » de George Frederic Handel.

La « Passacaglia », qui est attribuée à la fois à Haendel et à Halvorsen, a été composée pour violon et violoncelle (ou violon et alto) et publiée en 1894. Haendel a composé de nombreuses suites pour clavecin comprenant des mouvements de danse, qui se terminaient parfois par la traditionnelle passacaille baroque, terme qui désignait à l'origine une « danse de rue » espagnole, bien que les premiers exemples qui nous soient parvenus soient italiens. La réimagination par Halvorsen du « thème » de Haendel génère une série de variations palpitantes dans un tour de force d'invention musicale. Le résultat est un dialogue scintillant pour deux maîtres interprètes qui s'étendent fréquemment à quatre et cinq parties simultanées.

 

Georg Philipp Telemann (1681-1767)

Concerto pour 4 violons, TWV 40:201

i. Adagio
ii. Allegro
iii. Grave
iv. Allegro

La vie de Georg Philipp Telemann a chevauché celle de Jean-Sébastien Bach. Il est né quatre ans avant Bach et lui a survécu de dix-sept ans, jusqu'à l'âge de 86 ans. Il était considéré par ses contemporains comme l'un des plus grands compositeurs de son époque, aux côtés de Bach (il fut le parrain du fils de Bach, Carl Philipp Emmanuel) et de George Frederic Handel, qu'il connaissait également. Il était au centre de la vie musicale allemande et était largement connu dans toute l'Europe ; les commandes d'éditions de sa musique venaient de France, d'Italie, des Pays-Bas, des pays scandinaves, de Belgique, de Suisse et d'Espagne. Il était extrêmement prolifique, avec plus de trois mille compositions, dont beaucoup sont aujourd'hui perdues et dont la plupart n'ont pas été jouées depuis le XVIIIe siècle. Bien qu'une grande partie de sa production soit de la musique liturgique composée pour les offices dans les églises qui l'ont employé pendant la majeure partie de sa carrière, il n'y a guère de genre musical de son époque qu'il n'ait pas exploré.

Certaines œuvres de Telemann, comme le « Concerto pour quatre violons », n'étaient pas destinées à être jouées à l'église ou en concert, mais à être jouées en société. Telemann a composé un ensemble de quatre concertos pour quatre violons vers 1720. L'objectif fonctionnel de cette série était de fournir une collection de pièces pour quatre violonistes capables de jouer en l'absence d'un clavier ou d'un orchestre, une situation qui n'était pas inconnue à l'époque moderne, mais qui était peut-être plus susceptible d'être rencontrée au XVIIIe siècle. L'œuvre se compose de quatre brefs mouvements qui suivent le schéma baroque habituel. Le Largo d'ouverture tend vers le lyrisme ; le deuxième est une fugue complexe ; et le troisième, un court interlude Adagio, mène au finale, une danse vive et rustique, qui conclut le concerto sur une note lumineuse et ensoleillée.

 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Airs choisis de La Flûte enchantée (arr. Anon)

Dans « The Joy of Opera », le ténor anglais Nigel Douglas se souvient d'avoir entendu un camarade de son école chanter un air de « La Flûte enchantée » lors d'un concours vocal. Il a demandé quelle était la musique et, lorsqu'on lui a répondu, il s'est rendu directement chez un disquaire voisin pour acheter un enregistrement de ce qu'il a appelé « l'un des morceaux de musique les plus sublimes jamais écrits ». Cette expérience a ouvert la voie à la carrière de Douglas, qui a duré trente ans, en tant que ténor d'opéra. Wolfgang Amadeus Mozart a composé plus de deux douzaines d'opéras, dont une demi-douzaine sont encore régulièrement joués par des compagnies d'opéra dans le monde entier. « La Flûte enchantée », son dernier opéra, a connu un succès retentissant depuis sa création en septembre 1791.

La musique, bien qu'indéniablement classique, est d'une grande variété. Le rustique vendeur d'oiseaux, Papageno, a des arias de type folklorique construites sur des mélodies simples, tandis que la musique de Sarastro est profonde, majestueuse et presque hymnique. Le héros Tamino et l'héroïne Pamina ont une musique lyrique et romantique qui anticipe l'ère du bel canto italien. Et l'air de la Reine de la nuit, que Mozart a écrit pour sa belle-sœur qui avait une tessiture stratosphérique, est un spectacle à grand spectacle depuis plus de 225 ans. La musique est également un élément essentiel de la scène de concert, avec des arrangements pour piano (à deux ou quatre mains), pour orchestre complet, pour diverses combinaisons de cordes et, bien sûr, pour flûte.

 

Grazyna Bacewicz (1909-1969)

Quatuor pour 4 violons (1949)

i. Moderato
ii. Andante
iii. Vivo

« Première dame de la musique polonaise », Grazyna Bacewicz est née à Lodz en 1909 dans une famille unie et musicienne. Enfant, elle se montre douée pour le violon et est encouragée à étudier la musique, jouant souvent de la musique de chambre avec son père et ses deux frères aînés. À l'âge de douze ans, elle est sur la bonne voie pour réaliser sa promesse d'enfant : elle sera compositrice. Elle étudie le violon, le piano et la composition au Conservatoire de Varsovie et, après avoir obtenu son diplôme en 1932, elle étudie la composition avec Nadia Boulanger à Paris. Elle effectue des tournées en France et en Espagne en tant que violoniste avant de retourner en Pologne en 1936, où elle rejoint l'Orchestre de la radio polonaise nouvellement créé en tant que premier violon. Elle a ainsi eu l'occasion de faire jouer plusieurs de ses compositions. Cependant, la Seconde Guerre mondiale survient. Elle s'installe avec sa famille à Lublin, où elle continue à se produire, créant souvent ses compositions dans des cafés ou des salons avec son frère, Kiejstut, au piano. Après la guerre, la famille retourne dans une Varsovie dévastée. Elle reprend sa carrière de violoniste de concert, basée en Pologne mais effectuant des tournées dans toute l'Europe. Un grave accident de voiture survenu à l'automne 1954 l'oblige à réduire son activité de concertiste, mais elle compense en se consacrant davantage à la composition. Avant de mourir prématurément d'une crise cardiaque à l'âge de 59 ans, elle avait achevé plus de 200 œuvres, ce qui fait d'elle l'une des compositrices les plus prolifiques de l'histoire de la musique.

Bacewicz a composé le « Quatuor pour 4 violons » en 1949, à une époque où la musique polonaise devait se conformer aux principes du « réalisme social », ce qui signifiait écrire une musique qui célébrerait les luttes et les triomphes de la classe ouvrière et s'appuierait sur des airs folkloriques nationaux. Bacewicz utilise la structure néoclassique en trois mouvements (« Allegretto » - « Andante tranquillo » - « Molto allegro »), en y incorporant du lyrisme et des intervalles dansants, tout en créant un paysage sonore résolument moderne.

 

Camille Saint-Saëns (1835-1921)

Danse Macabre (arr. Girtain)

Camille Saint-Saëns est né à Paris. Son père meurt lorsqu'il a deux mois et il est élevé par sa mère et sa tante veuve, qui enseigne le piano au jeune Camille et reconnaît son talent précoce. Il fait ses débuts en concert à l'âge de dix ans et, à treize ans, il commence ses études au Conservatoire de Paris où, en 1851, il remporte le premier prix d'orgue. Après avoir obtenu son diplôme en 1853, Saint-Saëns entame une carrière d'organiste qui durera vingt-cinq ans, d'abord à Saint-Merri, une grande église du centre de Paris, puis à La Madeleine, l'« église officielle de l'Empire ». Ses appointements, auxquels s'ajoutent les honoraires d'organiste provenant de plus de 200 mariages et enterrements par an, lui permettent de vivre confortablement. Franz Liszt, qui l'a entendu jouer à La Madeleine, l'a déclaré le plus grand organiste du monde. Mais Saint-Saëns trouve aussi le temps de composer. Il a produit des symphonies, de la musique pour piano et orgue, des concertos pour divers instruments, des opéras et des poèmes symphoniques, dont le plus populaire est « Danse Macabre ».

La « Danse Macabre » est née en 1872 d'un poème du poète français Henri Cazalis, mais cette version semble être restée lettre morte. Une version orchestrale a été achevée en 1874 et créée en 1875. Il s'agit d'une pièce programmatique, qui se déroule dans un cimetière le jour d'Halloween. À minuit, la Mort convoque les morts de leurs tombes pour qu'ils dansent pour elle en jouant du violon. Les squelettes dansent avec énergie jusqu'à ce que, vers la fin, un coq chante, signalant l'approche de l'aube, et ils doivent retourner dans leurs tombes jusqu'au prochain Halloween.

Notes de programme de Larry Bent

À propos des artistes

 

Diana Cohen, violon et alto
Premier violon de l'Orchestre philharmonique de Calgary

Louée pour son « incroyable flair, sa maturité et sa perspicacité », la violoniste Diana Cohen mène une carrière aux multiples facettes en tant que violon solo, chambriste, soliste et administratrice d'art. Nommée violon solo de l'Orchestre philharmonique de Calgary en 2012, elle a été auparavant violon solo de l'Orchestre symphonique de Richmond et de l'Orchestre symphonique de Kalamazoo, tout en menant une carrière active de pigiste à New York. Elle a occupé le même poste avec le Charleston Symphony (avec lequel elle a interprété de nombreuses œuvres en tant que soliste), le National Repertory Orchestra, l'Iris Orchestra et le Red {an orchestra}, et a été invitée comme premier violon solo par le Rochester Philharmonic et le Phoenix Symphony.

Mme Cohen a participé régulièrement à des concerts à New York et dans le monde entier avec l'Orpheus Chamber Orchestra, lauréat d'un Grammy, l'International Sejong Soloists, The Knights, et en tant que remplaçante à l'Orchestre philharmonique de New York et à l'Orchestre de Cleveland. Elle s'est également produite en tant que soliste avec le Rochester Philharmonic, le National Repertory Orchestra, le Kalamazoo Symphony, le Valdosta Symphony, le Hilton Head Symphony et le Red {an orchestra}. Elle a été premier violon de l'orchestre du Cleveland Institute of Music, premier second du New York String Orchestra au Carnegie Hall, et a été premier violon tournant de l'Iris Orchestra depuis sa création. Le récital solo de Mme Cohen dans le cadre de la série Dame Myra Hess a été diffusé en direct sur la radio publique de Chicago.

En tant que membre fondateur du trio de piano « Trio Terzetto », Cohen a effectué des tournées et des enregistrements dans plusieurs villes des États-Unis et du Canada. « Le Trio Terzetto a été présenté dans le cadre de séries de musique de chambre dans des villes telles que New York, Cleveland, Ann Arbor, Memphis, Charleston, Lansing, Detroit, Augusta, Charlotte, South Bend et Asheville. Ils ont récemment fait leurs débuts en solo avec l'orchestre symphonique de Lansing, en interprétant le « Triple Concerto » de Beethoven. « Le Trio Terzetto se consacre à la sensibilisation et organise souvent ces projets autour de ses concerts.

Musicienne de chambre passionnée, Mme Cohen s'est produite au Marlboro Music Festival, au Steans Institute du Ravinia Festival, au Festival de musique de chambre de Giverny, en France, au Perlman Chamber Music Program, à Aspen, et au Piccolo Spoleto, ainsi qu'aux festivals de Maui, Dresden, Bennington, Saugatuck, Martha's Vineyard et Gretna. Elle a également participé à l'American String Project. Mme Cohen a participé à des concerts de chambre avec des membres du Cleveland Orchestra au Severance Hall et s'est produite dans le cadre de concerts de la faculté au Cleveland Institute of Music. Elle a régulièrement collaboré avec des membres des quatuors Guarneri, Juilliard, Cleveland, Miro et Parker, ainsi qu'avec des artistes de renom tels que Mitsuko Uchida, Kim Kashkashian, Garrick Ohlsson et bien d'autres. Elle a également joué régulièrement avec sa famille : Franklin Cohen, clarinettiste principal de l'Orchestre de Cleveland, Alexander Cohen, timbalier principal de l'Orchestre philharmonique de Calgary, et sa mère, la bassoniste Lynette Diers Cohen, aujourd'hui décédée. Des œuvres ont été commandées pour le quatuor de la famille Cohen. Mme Cohen et son père ont publié un CD de l'œuvre d'Osvaldo Golijov « Dreams and Prayers of Isaac the Blind » pour clarinette et quatuor à cordes.

Mme Cohen est directrice exécutive et co-directrice artistique du ChamberFest Cleveland (chamberfestcleveland.com), qui présente les musiciens de chambre les plus recherchés au monde et s'est associé à plusieurs des organisations les plus estimées de Cleveland.

Mme Cohen est diplômée avec mention du Cleveland Institute of Music, où elle a reçu en 2000 le prix Jerome Gross pour le violon et remporté le concours Darius Milhaud. Ses principaux professeurs ont été Donald Weilerstein, William Preucil, Paul Kantor et Joel Smirnoff.

Ses interprétations en solo et en musique de chambre ont été entendues sur des stations de radio dans tout le pays. Plusieurs de ses prestations au Marlboro Music Festival ont été diffusées sur la chaîne new-yorkaise WQXR. On peut également l'entendre sur des enregistrements avec l'Orpheus Chamber Orchestra.

Outre sa carrière de musicienne, Mme Cohen est une enseignante dévouée. Nombre de ses élèves ont remporté des prix nationaux. Elle a beaucoup travaillé dans les écoles publiques et a fait partie de la faculté préparatoire de musique de chambre du Cleveland Institute of Music.

Diana Cohen mène une carrière à multiples facettes en tant que violon solo, chambriste et soliste. Elle est premier violon de l'Orchestre philharmonique de Calgary, et fondatrice et directrice artistique du célèbre festival de musique ChamberFest Cleveland. En tant que soliste, elle s'est produite avec de nombreux orchestres, dont le Holland Symphony, le Rochester Symphony, le Lansing et le Grand Rapids, entre autres. En tant que chambriste, elle s'est produite dans certains des festivals les plus prestigieux, dont le Marlboro Music Festival et le Ravinia Festival, et a collaboré avec des artistes de renom tels que Garrick Ohlsson, Mitsuko Uchida, Jonathan Biss et des membres des quatuors Guarneri, Juilliard, Miro, Cleveland et Parker.

Mme Cohen a effectué des tournées et des enregistrements avec l'Orpheus Chamber Orchestra, lauréat d'un Grammy, et s'est produite avec l'East Coast Chamber Orchestra, les Sejong Soloists, The Knights, le Cleveland Orchestra et le New York Philharmonic.

Mme Cohen vit à Calgary avec son mari et sa fille, Noa Lynette, qui adore qu'on la fasse danser sur de la musique. À la suite de la pandémie, Mme Cohen et son mari ont créé une série de concerts très appréciés dans leur jardin, les « Garden Concerts YYC », qui donnent des concerts hebdomadaires à des centaines de mélomanes de la région de Calgary.

 

Jonathan Crow, violon
Premier violon solo de l'Orchestre symphonique de Toronto

Jonathan Crow est violon solo de l'Orchestre symphonique de Toronto (TSO) depuis 2011. Originaire de Prince George, en Colombie-Britannique, Jonathan a obtenu un baccalauréat en musique avec distinction de l'Université McGill en 1998, après quoi il s'est joint à l'Orchestre symphonique de Montréal (OSM) à titre de second violon solo associé. Entre 2002 et 2006, Jonathan a été premier violon solo de l'OSM ; durant cette période, il a été le plus jeune premier violon solo d'un grand orchestre nord-américain.

Jonathan continue de se produire en tant que violon solo invité avec des orchestres du monde entier, notamment l'Orchestre du Centre national des Arts (OCNA), l'Orchestre symphonique de Pittsburgh, l'Orchestre de chambre Mahler, la Filarmonia de Lanaudière et l'Orchestre du Festival de Pernambuco (Brésil). Jonathan s'est également produit en tant que soliste avec la plupart des grands orchestres canadiens, notamment les orchestres symphoniques de Montréal, Toronto et Vancouver, les orchestres philharmoniques du Centre national des Arts et de Calgary, les orchestres symphoniques de Victoria, de Nouvelle-Écosse et de Kingston, ainsi que l'Orchestra London, sous la direction de chefs d'orchestre tels que Charles Dutoit, Sir Yehudi Menuhin, Sir Andrew Davis, Peter Oundjian, Kent Nagano, Mario Bernardi, João Carlos Martins et Gustavo Gimeno.

Jonathan s'est joint à l'École de musique Schulich de l'Université McGill à titre de professeur adjoint de violon et a été nommé professeur agrégé de violon en 2010. Ses élèves actuels et anciens ont reçu des prix lors de concours partout dans le monde, notamment le Concours international de violon Menuhin, le Concours OSM, le Concours Shean, le Concours NEXT de la radio de la CBC, le Concours Eckhardt-Grammatté, le Concours de musique du Canada et le Concours international de cordes Stulberg. Ils travaillent régulièrement avec des orchestres tels que l'OCNA, le TSO, l'OSM, la Camerata Salzburg, le Konzerthausorchester Berlin, l'Orchestre de chambre de Verbier, la Kammerphilharmonie de Vienne et l'Orchestre symphonique de Vienne. Jonathan est actuellement professeur associé de violon à l'Université de Toronto.

En 2016, Jonathan a été nommé directeur artistique de « Toronto Summer Music », qui a connu une affluence record et des critiques dithyrambiques lors de ses trois premières saisons. Chambriste passionné, il a participé à des festivals de musique de chambre en Amérique du Nord, en Amérique du Sud et en Europe, notamment aux festivals de Banff, Ravinia, Orford, Domaine Forget, Seattle, Montréal, Ottawa, Incontri in Terra di Sienna, Alpenglow, Festival Vancouver, Pernambuco (Brésil), Giverny (France) et Strings in the Mountains. Il est l'un des membres fondateurs du New Orford String Quartet, lauréat d'un prix JUNO, un ensemble qui se consacre à la promotion du répertoire standard et canadien pour quatuor à cordes dans toute l'Amérique du Nord.

Défenseur de la musique contemporaine, il a créé des œuvres des compositeurs canadiens Michael Conway Baker, Eldon Rathburn, Barrie Cabena, Gary Kulesha, Tim Brady, François Dompierre, Vivian Fung, Ana Sokolovic, Marjan Mozetich, Christos Hatzis, Ernest MacMillan et Healey Willan. Son répertoire comprend également des concertos majeurs de compositeurs modernes tels que Ligeti, Schnittke, Bernstein, Brian Cherney, Rodney Sharman, Vivian Fung et Cameron Wilson.

Jonathan a enregistré pour les labels ATMA, Bridge, CBC, Oxingale, Skylark et XXI-21 et on l'entend fréquemment sur les ondes de la Chaîne culturelle de Radio-Canada, de CBC Radio Two et de la National Public Radio, ainsi que sur les ondes de Radio France, Deutsche Welle, Hessischer Rundfunk et de la RAI en Europe.

Jonathan Crow a été musicien en résidence pour les Concerts Cecilia de 2020 à 2022.

 

Robert Uchida, violon
Premier violon de l'Orchestre symphonique d'Edmonton

Le violoniste canadien Robert Uchida, violon solo de l'Orchestre symphonique d'Edmonton, mène une carrière variée en tant que soliste, musicien d'orchestre et de chambre, et pédagogue. Son premier enregistrement de la Sonate pour violon seul d'Andrew Violette a été acclamé dans le monde entier, le Strings Magazine saluant sa « sonorité ravissante, son éloquence et son intensité hypnotique ».

Robert a été soliste avec des orchestres tels que l'Alberta Baroque Ensemble, l'Edmonton Symphony, l'Ottawa Symphony, le Red Deer Symphony, le Symphony New Brunswick, le Symphony Nova Scotia, l'Orchestre de la Francophonie et l'Orchestre du Centre national des Arts du Canada. Il a enseigné et s'est produit dans le cadre de festivals partout en Amérique du Nord, notamment l'Arizona MusicFest, le Banff International String Quartet Festival, le Jackson Hole Chamber Music, le Music by the Sea, le National Academy Orchestra, le Programme des jeunes artistes du Centre national des Arts, le Festival de musique d'été du Nouveau-Brunswick, le Rosebud Chamber Music Festival, le Scotia Festival, le Sewanee Music Festival et le Summer Solstice Music Festival, et il a été directeur artistique de l'Acadia Summer Strings Festival, de 2010 à 2013.

Avant de se joindre à l'Orchestre symphonique d'Edmonton, Robert était premier violon de l'Orchestre symphonique de la Nouvelle-Écosse, à Halifax. Il a participé à un enregistrement avec Sarah Slean, qui a été mis en nomination pour un prix JUNO, et a enregistré le Requiem 21.5 : Concerto pour violon de Tim Brady, qui a remporté le prix de l'enregistrement classique de l'année aux East Coast Music Awards. En tant que violon solo invité, il a travaillé avec l'Orchestre symphonique de Kitchener-Waterloo, l'Orchestre philharmonique de chambre de la radio néerlandaise, l'Orchestre symphonique d'Ottawa, l'Orchestre philharmonique de Rotterdam, l'Orchestre philharmonique royal de Flandre et l'Orchestre symphonique de Vancouver.

Enseignant passionné, Robert enseigne le violon à l'Université de l'Alberta et a occupé des postes d'enseignant à l'Université Acadia et à la Manhattan School of Music Precollege. Ses élèves ont poursuivi leurs études à la Juilliard School, à la Manhattan School of Music et à la Guildhall School de Londres, ont remporté d'importants concours internationaux et se produisent au sein d'ensembles partout en Amérique du Nord et en Europe.

Robert est titulaire d'une maîtrise en interprétation du violon de la Manhattan School of Music de New York et d'un baccalauréat de l'Université d'Ottawa. Ses professeurs et mentors comprennent Andrew Dawes, Morry Kernerman, Patinka Kopec, Heratch Manoukian, David Stewart et Pinchas Zukerman.

Robert adore faire du bénévolat et est honoré d'avoir été intronisé au « Character Club » du Ronald McDonald House d'Edmonton. Il joue sur un violon Guadagnini de 1770 avec des cordes Vision Solo Titanium de Thomastik-Infeld Vienna.

 

Andrew Wan, violon
Violon solo de l'Orchestre symphonique de Montréal

Andrew Wan a été nommé violon solo de l'Orchestre symphonique de Montréal (OSM) en 2008. En tant que soliste, il s'est produit dans le monde entier sous la direction de chefs d'orchestre tels que Rafael Payare, Maxim Vengerov, Vasily Petrenko, Bernard Labadie, Carlo Rizzi, Peter Oundjian, Xian Zhang, Michael Stern et James DePreist, et a donné des récitals avec des artistes tels que le Quatuor Juilliard, Vadim Repin, Marc-André Hamelin, Daniil Trifonov, Menahem Pressler, Jörg Widmann, Emanuel Ax, James Ehnes et Gil Shaham.

Sa discographie comprend des enregistrements nominés aux Grammy Awards et récompensés par des prix JUNO, Félix et Opus sur les labels Onyx, Bridge et Naxos avec la Seattle Chamber Music Society, le Metropolis Ensemble de New York et le New Orford String Quartet. À l'automne 2015, il a publié un enregistrement en direct des trois concertos pour violon de Saint-Saëns avec l'OSM et Kent Nagano sous l'étiquette Analekta, qui a été largement salué par la critique. Son récent album live d'œuvres pour violon et orchestre de Bernstein, Moussa et Ginastera avec Nagano et l'OSM a remporté un prix JUNO 2021 dans la catégorie « Album classique de l'année - grand ensemble ».

Il entretient une étroite collaboration avec Charles Richard-Hamelin, avec qui il a enregistré le cycle complet des sonates pour piano et violon de Beethoven. M. Wan est diplômé de la Juilliard School, où il a obtenu une licence de musique, une maîtrise de musique et un diplôme d'artiste. Il est actuellement directeur artistique du « Prince Edward County Chamber Music Festival » et, pour la saison 2017-18, a été partenaire artistique de l'Orchestre symphonique d'Edmonton.

Professeur agrégé de violon à l'École de musique Schulich de l'Université McGill, il a été lauréat du Part-Time Teaching Award de l'École Schulich en 2019. Il a été violon solo invité par les orchestres symphoniques de Pittsburgh, Houston, Indianapolis, du Centre national des arts, de Toronto et de Vancouver.

Andrew Wan est le musicien en résidence des Cecilia Concerts 2024/25.

Andrew joue sur un violon Michel'Angelo Bergonzi de 1744, qu'il remercie d'avoir été prêté par la collection David Sela. Il utilise également un archet Dominique Peccatte de 1860 provenant de Canimex.